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La Saint-Valentin est là, et quoi de mieux que de célébrer l’amour à travers l’histoire des couples les plus iconiques du rock ? Ces duos ont non seulement marqué la scène musicale, mais ont aussi prouvé que l’amour et le rock’n’roll font vraiment bon ménage. Entre passions dévorantes, collaborations artistiques et aventures tumultueuses, voici un tour d’horizon des couples qui ont fait vibrer le monde de la musique ! John Lennon & Yoko Ono   Impossible de parler de couples légendaires sans évoquer John et Yoko ! Leur histoire est peut-être la plus médiatisée de toutes, entre leur engagement pour la paix et leurs projets artistiques communs. Bien sûr, leur relation a souvent été vue d'un œil critique, certains accusant Yoko d’avoir "divisé" les Beatles. Mais en vrai, leur amour a inspiré des morceaux comme Imagine, et leur complicité créative a laissé une trace indélébile dans l’histoire du rock. En tout cas, leur message était clair : l’amour peut changer le monde. Courtney Love & Kurt Cobain   Ah, le grunge. Et qui dit grunge, dit forcément le couple mythique formé par Courtney Love et Kurt Cobain. Leur romance, autant que leur musique, a déchiré les années 90. Entre l’intensité de leur amour et la tragédie de la disparition de Kurt, ce couple a marqué les esprits. Leur relation était tout sauf tranquille, mais elle a aussi donné naissance à des chansons mémorables et à une époque qui restera à jamais gravée dans la mémoire collective du rock.   Johnny Cash & June Carter   Passons à quelque chose de plus doux (et tout aussi légendaire) : Johnny Cash et June Carter. Leur histoire est un peu comme un film romantique... mais en version country. Johnny, en pleine tourmente personnelle, rencontre June, et ensemble, ils forment un duo aussi puissant que leur amour. De Ring of Fire à Jackson, leur complicité musicale est devenue mythique. Leur histoire prouve que l'amour peut apporter la rédemption et transformer des vies.   Keith Richards & Patti Hansen   Parlons d’un couple rock’n’roll qui a su faire durer la flamme ! Keith Richards, le guitariste légendaire des Rolling Stones, et le mannequin Patti Hansen forment un duo stable (relativement parlant, pour un couple du rock !) depuis les années 80. Leur relation a traversé les années, les excès et les turbulences de la vie de rockstar. Ils ont même prouvé qu’il est possible d’avoir une vie de famille dans l’univers déjanté du rock’n’roll. Keith et Patti, un exemple de longévité et de rock’n’roll love. David Bowie & Iman   Le caméléon du rock, David Bowie, a trouvé son amour dans le mannequin Iman. Leur rencontre dans les années 90 a été un véritable conte de fées moderne, entre l’iconique musicien et la sublime supermodel. Ensemble, ils ont formé un couple aussi élégant qu’uni, loin des scandales habituels du rock’n’roll. Leur mariage, qui a duré jusqu’à la mort de Bowie en 2016, est l'exemple parfait de l’amour qui traverse les épreuves.   Stevie Nicks & Lindsey Buckingham   Ah, Fleetwood Mac... et Stevie et Lindsey! Leur histoire est comme une chanson à elle seule : pleine de passion, de déchirements et de réconciliations. Leur relation, qui a commencé par une histoire d'amour enflammée, s’est ensuite transformée en collaboration musicale légendaire. Des morceaux comme Go Your Own Way et Dreams sont inspirés de leur relation, et même si leur amour n’a pas survécu, leur connexion musicale a perduré. Une belle leçon sur comment l’amour et la musique peuvent être liés, même quand ça devient compliqué.   Tommy Lee & Pamela Anderson Enfin, on ne pouvait pas oublier le couple de l'excès, Tommy Lee (le batteur de Mötley Crüe) et Pamela Anderson. Leur mariage express, suivi par un enchaînement de drames et de scandales, a fait d’eux l’un des couples les plus médiatisés des années 90. Mais, au-delà des tabloïds, il y avait une vraie passion... et une tonne de rock’n’roll. Bien que leur relation ait été de courte durée, elle restera dans les annales de l’histoire du rock, tant ils incarnaient l’esprit rebelle de l’époque.     L’amour dans le rock n’est jamais simple, mais il est toujours intense, captivant et plein de créativité. Ces couples légendaires ont transformé leurs relations en art, en musique, et même en mythes. Que ce soit à travers des chansons poignantes ou des histoires de vie hors du commun, ces duos ont prouvé que l’amour, dans l'univers du rock, peut être aussi sauvage et passionné que la musique elle-même. Alors, à tous les amoureux du rock, cette Saint-Valentin, pourquoi ne pas écouter quelques-uns de ces couples légendaires et célébrer l'amour sous toutes ses formes ? Rédaction : Coline Lefèvre

La Saint-Valentin, c'est le moment idéal pour laisser la musique exprimer l'amour. Découvrez les chansons incontournables de cette journée. Image générée par IA Chaque 14 février, la musique joue un rôle essentiel pour accompagner les moments romantiques. Deezer a révélé les titres les plus écoutés ce jour-là. Voici les trois morceaux qui dominent les playlists des amoureux. 1. "Perfect" - Ed Sheeran Ce classique moderne fait chavirer les cœurs avec ses paroles sincères et sa mélodie douce. Idéal pour une danse en amoureux. 2. "Halo" - Beyoncé Une ballade intense et émouvante qui exprime l'admiration et la force d'un amour profond. Un titre incontournable pour une Saint-Valentin pleine d'émotions. 3. "Someone Like You" - Adele Même si elle évoque un amour passé, cette chanson reste un symbole de passion et d'émotion, parfait pour une soirée mélodieuse. Les classiques francophones Pour ceux qui préfèrent les textes en français, voici trois morceaux emblématiques :   "Pour que tu m'aimes encore" - Céline Dion    "Je t'aime" - Lara Fabian    "Mais je t'aime" - Grand Corps Malade & Camille Lellouche À savoir: les écoutes sur Deezer augmentent de 560 %, avec un pic à 20 heures. Les playlists romantiques, incluant des mots comme "amour" ou "valentin", connaissent une hausse de 480 % en cinq jours. Les 35-49 ans représentent presque 40 % des écoutes. Deezer a aussi révélé que Paris, Lyon et Marseille sont les villes les plus romantiques en France. Que vous soyez en couple ou en solo, ces chansons sauront créer une ambiance propice à l'amour et aux souvenirs. Et vous, quelle est votre bande-son idéale pour la Saint-Valentin ?

Le monde du reggae français et la Normandie sont en deuil suite à l'annonce du décès de Martin Mussard, plus connu sous son nom de scène Naâman, à l'âge de 34 ans. Selon Big Scoop Records, son label, l'artiste est décédé le 7 février 2025 des suites d'une tumeur cérébrale diagnostiquée en 2019. Naâman s'était imposé comme une figure emblématique du reggae hexagonal, captivant le public par son énergie débordante et son sourire communicatif. Depuis la sortie de son premier album en 2013, il a su rassembler une audience fidèle autour de messages prônant l'amour, la paix et la célébration de la vie. Ses performances live, toujours empreintes de convivialité et de partage, ont marqué les esprits, que ce soit lors du Foreztival en 2016 ou plus récemment aux Nuits Secrètes à l'été 2024. Partageant sa vie entre la France et l'Inde, Naâman a continué à créer jusqu'à ses derniers jours. Désireux de laisser un ultime témoignage à son public, il a enregistré plusieurs morceaux inédits qui seront dévoilés prochainement, selon le communiqué de Big Scoop Records. Malgré la maladie, l'artiste a su faire preuve d'une résilience admirable, diffusant lumière et joie autour de lui jusqu'à la fin. Sa famille, ses proches, ainsi que les équipes de son label et ses musiciens, expriment une profonde gratitude pour avoir partagé sa vie et sa musique. Ils remercient également tous ceux qui ont contribué à réaliser ses rêves et son public pour son soutien indéfectible. Naâman laisse derrière lui un héritage musical riche qui continuera d'illuminer la vie de nombreux fans. Son parcours est un témoignage de force et de positivité qui perdurera au-delà de sa disparition. Plus intimement, Naâman avait été reçu par les membres fondateurs de TST Radio, nous en garderons un souvenir agréable et plein d'humanité.

Le Metal est souvent perçu comme un genre musical bruyant, agressif et même parfois excessif. Mais derrière ces riffs distordus (exceptionnels) , ces voix gutturales (et purée qu’elles sont maitrisées) et ces percussions puissantes se cache une forme de catharsis puissante et thérapeutique. Bien loin d’être simplement une explosion sonore, le métal peut en réalité jouer un rôle fondamental dans la gestion des émotions négatives, comme la colère et le stress. Pourquoi cette musique « brutale » semble-t-elle être un moyen efficace d’évacuer la tension intérieure ?   La Catharsis   Le terme catharsis provient du grec ancien et signifie "purification" ou "libération". Dans un sens émotionnel, la catharsis fait référence à l’effet thérapeutique de l'expression intense des émotions refoulées. Dans le contexte du Metal, cette libération se manifeste par une immersion dans la musique, dans ses rythmes frénétiques et ses paroles pleines de passion. (On est enivré quoi, comme un alcolo ou un drogué)   Gérer la colère   La musique Metal, avec sa puissance brute, offre un exutoire émotionnel unique. Les cris, les growls (chants gutturaux), les riffs de guitare ultra-distorsionnés et la batterie frénétique aident à externaliser des sentiments négatifs qui, autrement, pourraient se transformer en une pression interne difficile à gérer. La colère est une émotion humaine naturelle, mais lorsqu’elle n’est pas gérée correctement, elle peut devenir destructrice. Le metal permet (mais vraimmment) de canaliser cette colère de manière saine. Lorsque tu écoutes un morceau de métal, tu peux ressentir une forte poussée de dopamine, ce qui peut te rendre plus apte à faire face à des frustrations quotidiennes. Les paroles du Métal abordent souvent des thèmes de rébellion, d'injustice, de colère ou de douleur. Pour les fans de metal, l’un des aspects les plus cathartiques de ce genre est l'expérience des concerts. Les circle pits, les pogos, les headbangings sont des façons physiques de libérer la tension accumulée. Lors d'un concert, se retrouver parmi des milliers de personnes à vivre cette énergie collective permet de transformer la colère en une forme de communion. C’est une libération physique et émotionnelle.   Gérer le Stress   Bien que la musique metal soit souvent associée à des émotions fortes comme la colère, elle peut aussi être un remède efficace contre le stress. Quand le stress quotidien pèse sur les épaules, écouter du métal peut sembler paradoxal, mais c’est une manière de se reconnecter à soi-même et de laisser les préoccupations s’évaporer.  Car oui, le Métal ne cache pas ses émotions, il les crie haut et fort. Cette approche brutale et sans compromis peut aider ceux qui sont stressés à se défouler mentalement. Plutôt que de ruminer en silence ou d’être pris dans des pensées anxieuses, la musique permet une immersion totale, une sorte de « purge mentale ». Beaucoup de fans parlent de l'impact thérapeutique qu’ils ressentent après avoir écouté un album entier ou assisté à un concert. Ce processus actif d’écoute permet de se concentrer sur l'instant présent, réduisant ainsi le stress mental.     Un outil de résilience   Au-delà de la colère et du stress, écouter du metal peut renforcer la résilience émotionnelle. En offrant un espace pour exprimer des émotions souvent perçues comme négatives, cette musique permet de prendre du recul et de comprendre qu'ils ne sont pas seuls dans leurs luttes intérieures. Les musiciens eux-mêmes, souvent issus de parcours de vie difficiles, partagent fréquemment leurs luttes à travers leurs paroles. Cela donne aux auditeurs une sorte de carte d’identité commune, un chemin vers la résilience émotionnelle et l'acceptation de soi.     Plutôt que de se laisser engloutir par les émotions négatives, cette musique permet d’apaiser votre santé mentale, est ça, c’est le meilleur des remèdes. Rédaction : Coline Lefèvre

Depuis ses débuts dans les années 1950, le rock n’a pas seulement redéfini la musique : il a également changé la façon dont des générations entières se sont habillées. Plus qu’un style, la mode rock est un symbole d’attitude, de rébellion et de liberté. Explorons comment les différentes époques du rock ont façonné les tendances vestimentaires et influencé la culture populaire.    Les Années 50 : Le Rockabilly et la Révolte des Jeunes   L’émergence du rock'n'roll a apporté une mode audacieuse pour l’époque. Des figures comme Elvis Presley ont popularisé les costumes ajustés, les chemises à motifs et les chaussures en daim. Les adolescents ont adopté des jeans, des blousons de cuir et des t-shirts blancs, inspirés par des icônes comme James Dean et Marlon Brando.    Ces éléments, aujourd’hui classiques, étaient alors un défi aux normes conservatrices de l’époque, incarnant une nouvelle jeunesse prête à s’affirmer.    Les Années 60 : Psychédélisme et Bohème   Avec l’arrivée de groupes comme The Beatles et The Rolling Stones, le rock devient un phénomène mondial, influençant la mode à une échelle sans précédent.    - Le style mod : Costumes slim, chemises à col étroit et parkas, inspirés par la scène londonienne.  - Le psychédélisme : Chemises à motifs psychédéliques, pantalons évasés et accessoires comme les lunettes rondes (popularisées par John Lennon ).  - Le boho-chic: Franges, jupes longues et bijoux ethniques, fortement inspirés par les festivals comme Woodstock.      Les Années 70 : Le Glam Rock et le Punk   Cette décennie a vu deux mouvements stylistiques opposés mais tout aussi influents :    -    Le Glam Rock : Popularisé par des artistes comme David Bowie et T. Rex, ce style mêlait excentricité et androgynie. Paillettes, costumes brillants, plateformes et maquillages audacieux étaient de rigueur.    - Le Punk : En réaction au glamour et à l’excès, le punk, incarné par The Sex Pistols, a introduit une mode brutale : jeans déchirés, vestes en cuir cloutées, épingles à nourrice et crêtes colorées. La créatrice Vivienne Westwood a joué un rôle clé dans l’établissement de ce look.    Les Années 80 : Rock Arena et Gothique   Les années 80 ont vu la montée du rock de stade et de l’esthétique sombre du rock gothique.    -Rock de stade : Groupes comme Guns N’ Roses et Bon Jovi arboraient des cheveux longs, des bandanas, des bottes en cuir et des jeans délavés. Les blousons en cuir et les bracelets cloutés symbolisaient une masculinité brute.    - Gothique : Inspiré par des groupes comme The Cure et Siouxsie and the Banshees, le style gothique mêlait noir profond, dentelle, velours et maquillage sombre.        Les Années 90 : Grunge et Minimalisme   Le grunge, né à Seattle avec des groupes comme Nirvana et Pearl Jam, a redéfini la mode rock avec son approche décontractée.    - Chemises en flanelle: Portées sur des t-shirts, souvent nouées autour de la taille.  - Jeans usés : Déchirés ou élimés, incarnant un rejet du consumérisme.  - Bottes de combat: Les fameuses Doc Martens sont devenues un symbole incontournable.    Parallèlement, des artistes comme Radiohead ont adopté une esthétique minimaliste, marquant un contraste avec les excès des décennies précédentes.      Le Rock Aujourd’hui : Mélange et Individualité   Dans le monde contemporain, le rock est une mosaïque d’influences, et sa mode suit le même chemin. Les artistes mélangent les styles vintage avec des éléments modernes, créant une esthétique unique.    - Le revival vintage : Les blousons en cuir, les bottes western et les jeans taille haute restent des classiques intemporels.  - Le streetwear: Des artistes comme Billie Eilish (qui mêle rock, pop et hip-hop) intègrent des pièces oversize et des baskets au style rock.  - Le genderless : Fidèle à l’esprit rebelle du rock, la mode est de plus en plus fluide, brouillant les frontières entre les genres.      Le rock et la mode ont toujours été liés par une volonté commune d’expression et de rupture avec les conventions. Les tenues emblématiques de chaque époque continuent de résonner aujourd’hui, inspirant la mode contemporaine et les nouvelles générations d’artistes et de fans.    Finalement, s’habiller "rock" n’est pas seulement un choix vestimentaire, c’est une déclaration d’attitude et de passion, intemporelle et universelle.  EHHHH OUAIIIS Rédaction : Coline Lefèvre

Le rock, avec sa riche histoire et ses innombrables sous-genres, a été le terreau fertile de collaborations emblématiques. Lorsqu’on associe deux talents exceptionnels, la magie peut se produire. Voici un tour d’horizon des duos les plus mémorables dans l'histoire du rock, qui ont laissé une empreinte indélébile sur la musique. 1. David Bowie et Freddie Mercury – « Under Pressure »   Quand le caméléon du rock, David Bowie, et l'incomparable frontman de Queen, Freddie Mercury, se sont rencontrés, le résultat a été une véritable œuvre d'art. Sortie en 1981, « Under Pressure » reste une chanson intemporelle, mêlant les talents vocaux uniques de Mercury et l’approche musicale visionnaire de Bowie. Leur énergie combinée crée une tension et une émotion palpables qui continuent de captiver les auditeurs des décennies plus tard.   2. Mick Jagger et David Bowie – « Dancing in the Street »   Dans un esprit plus festif, Mick Jagger et David Bowie ont uni leurs forces pour une reprise énergique de « Dancing in the Street » en 1985. Cette collaboration a été conçue pour le Live Aid, un événement caritatif historique. Leur chimie était évidente, et la vidéo musicale pleine de spontanéité et d’humour reste un classique.   3. Paul McCartney et Stevie Wonder – « Ebony and Ivory »   Bien que principalement associé au rock, Paul McCartney a exploré divers styles musicaux. Sa collaboration avec Stevie Wonder en 1982 sur « Ebony and Ivory » est une célébration de l’unité et de l’harmonie raciale. La mélodie simple mais évocatrice et les performances vocales des deux légendes en ont fait un hymne universel.   4. Jimmy Page et Robert Plant – Les retrouvailles de Led Zeppelin   Bien que leur collaboration soit plus qu’évidente au sein de Led Zeppelin, les retrouvailles de Jimmy Page et Robert Plant dans les années 1990 pour des projets comme « No Quarter » ont été un événement marquant pour les fans. Ils ont revisité leur répertoire classique avec une touche acoustique et orientale, prouvant que leur alchimie était intemporelle.   5. Eddie Vedder et Chris Cornell – Temple of the Dog   Avant que Pearl Jam et Soundgarden ne deviennent des icônes du grunge, Eddie Vedder et Chris Cornell se sont réunis pour créer Temple of the Dog, un hommage à leur ami commun Andrew Wood. Leur chanson « Hunger Strike » met en valeur leurs voix puissantes et complémentaires, capturant l’essence émotionnelle du mouvement grunge des années 1990.   6. Jack White et Alicia Keys – « Another Way to Die »   Bien que venant d’univers musicaux différents, Jack White des White Stripes et Alicia Keys ont collaboré pour le thème de James Bond « Another Way to Die » en 2008. Leur approche audacieuse et électrique a donné une nouvelle dimension aux musiques de Bond, mêlant rock alternatif et soul avec brio.    7. Lou Reed et Metallica – « Lulu »   Peu de collaborations ont été aussi polémiques que celle entre Lou Reed et Metallica sur l’album « Lulu » en 2011. Expérimental et sombre, cet album divise encore les fans, mais il reste une tentative audacieuse d’explorer de nouveaux territoires artistiques.     Ces collaborations montrent que le rock est un terrain d'expérimentation où les frontières entre les styles et les époques peuvent être transcendées. Elles nous rappellent à quel point la musique peut être puissante lorsqu’elle réunit des artistes emblématiques avec une vision commune. Si vous pensez qu'un duo manque à cette liste, n'hésitez pas à partager vos suggestions !   Rédaction : Coline Lefèvre

La gratte à pédale, on aurait jamais imaginé ça en 1950 ! Et pourtant, quasi TOUS les groupes l’utilise. Mais c’est quoi ce petit machin qui peut devenir un gros truc selon les sons que nous souhaitons avoir ?     Depuis les premières distorsions analogiques jusqu’aux modulations numériques complexes, les pédales d’effets ont été les compagnons inséparables des guitaristes rock. Des petites boîtes magiques  qui ont façonné des sons légendaires, donné naissance à des genres entiers, et transformé des morceaux ordinaires en hymnes intemporels.     La Distorsion : Naissance d’une révolte sonore   Dans les années 60, la quête d’un son plus agressif a conduit à l’invention de pédales de distorsion, dont la « Fuzz Face » est emblématique. Popularisée par le grand Jimi Hendrix, cette pédale a donné vie à des morceaux comme Purple Haze, avec un grain saturé et rauque qui a instantanément capté l’attention.    Quelques années plus tard, la « Big Muff Pi » de Electro-Harmonix a poursuivi cette révolution sonore. Elle a façonné le mur de son du rock psychédélique et alternatif, avec des groupes comme les Pink Floyd (David Gilmour l’a utilisée sur Comfortably Numb) et Les kings Smashing Pumpkins dans Siamese Dream .    Les Modulations : Des paysages sonores oniriques   Dans les années 70 et 80, les pédales de modulation ont pris le devant de la scène, offrant des textures riches et éthérées. La « Uni-Vibe », utilisée par Hendrix et Robin Trower, a créé ces sonorités flottantes et psychédéliques qui définissent des morceaux comme Machine Gun.    Le « Chorus Ensemble » de Boss, immortalisé par The Police sur Every Breath You Take, a ouvert la voie à un son plus spacieux, parfois mélancolique. Cette pédale, combinée à des réverbérations profondes, a également défini le rock gothique et la dream pop.      Les Delays : L’écho du temps   Le delay est sans doute l’effet qui a donné au rock ses envolées les plus mémorables. Des pionniers comme The Edge  de U2 ont exploité la « Electro-Harmonix Memory Man » pour créer les motifs rythmiques complexes qui dominent des morceaux comme Where the Streets Have No Name.    Les années 90 ont vu l’arrivée des delays numériques comme la « Boss DD-3 », qui ont permis une précision accrue et des expérimentations sonores. Des artistes grunge et shoegaze, tels que My Bloody Valentine, ont utilisé ces pédales pour plonger leurs auditeurs dans des murs de son hypnotiques.    Les Overdrives et Boosts : Du crunch au rock moderne   L’overdrive, plus douce que la distorsion, a été un pilier du son blues-rock. La « Tube Screamer » d’Ibanez, adoptée par des légendes comme Stevie Ray Vaughan, a apporté un son chaud et dynamique, parfait pour des solos puissants mais contrôlés.    Dans un registre plus moderne, des groupes comme les Foo Fighters et Radiohead ont exploité des overdrives comme la « Fulltone OCD », fusionnant rock alternatif et puissance brute.        Les Pédales d’expression : libérer la créativité    Enfin, certaines pédales ne modifient pas le son directement, mais permettent une interaction dynamique avec celui-ci. La « Cry Baby Wah », rendue célèbre par Hendrix et Eric Clapton, reste une des pédales les plus reconnaissables pour ses sons "parlants" qui ajoutent une dimension émotionnelle aux solos.    De nos jours, des artistes comme Tom Morello utilisent des pédales d’expression dans des contextes expérimentaux, intégrant des boucles et des effets en temps réel pour créer des paysages sonores uniques.    Les pédales d’effets sont bien plus que des outils : elles sont des instruments à part entière, capables de transformer une émotion en son. Elles ont marqué l’histoire du rock à travers des morceaux légendaires et continuent d’inspirer les nouvelles générations d’artistes.    Que vous soyez amateur de vintage ou adepte de technologies modernes, ces boîtes mystérieuses offrent une infinité de possibilités pour écrire votre propre histoire sonore. Alors, branchez-vous, explorez, et laissez la magie opérer !   Rédaction : Coline Lefèvre

Rouen, samedi 14 décembre. Le Fury Bar était plein à craquer pour la release party de Silly Chilly , et il ne fallait pas manquer ça. Le groupe a célébré la sortie de leur nouveau single "Amour Parfait"  dans une ambiance survoltée. La foule, entassée dans le bar, dansait, chantait, et vibrait à l’unisson. Dès les premières notes de "Ma Planète" , le ton était donné : Silly Chilly n’était pas là pour faire dans la demi-mesure. Les morceaux s’enchaînaient avec une énergie incroyable, des titres phares comme "People Evolve"  ou "Mon Cœur Rappelle"  qui faisaient bondir le public. Mais le moment le plus attendu est arrivé avec "Suzie" . Dès les premiers accords, on sentait l’excitation monter. Tout le monde chantait, et c’était comme si la salle entière ne faisait plus qu’un. Et que dire de "Django Jungle"  ? Le groupe a créé une vraie ambiance de western, avec une mise en scène qui transportait. On avait presque l’impression de sentir la poussière d’un duel au soleil. C’était puissant, presque cinématographique, et ça a marqué les esprits. Le clou de la soirée a été "Amour Parfait" , leur nouveau single. Une chanson pleine d’émotion, que le public semblait déjà connaître par cœur. L’énergie dans la salle était à son comble, et ce moment restera gravé dans les mémoires. Silly Chilly a prouvé qu’ils étaient bien plus qu’un groupe talentueux. Ils savent créer un lien avec leur public, rendre chaque personne dans la salle partie prenante de leur musique. Ce n’était pas juste un concert, c’était un moment partagé, chaleureux, et inclusif. Si vous n’étiez pas là, vous avez manqué une soirée incroyable. Heureusement, il vous reste le single et, pour les plus chanceux, un t-shirt collector en souvenir. Mais rien ne remplacera cette ambiance unique qui a fait du Fury Bar le centre de l’univers de Silly Chilly, le temps d’une soirée.

Vous ne savez pas quoi écouter au réveillon ? Bingo on est là pour vous filer un coup de pouce ! Lorsque les guirlandes scintillent et que l'air se remplit du parfum des sapins, il est naturel de penser aux chansons traditionnelles de Noël. Mais pour les amateurs de rock et de punk, il existe une alternative vibrante et électrique aux classiques doucereux. Les groupes de rock et punk ont souvent ajouté leur propre grain de folie aux chansons de Noël, créant une ambiance festive tout en restant rebelles. Voici une exploration des morceaux les plus emblématiques de cette fusion unique. Les Classiques Rock de Noël 1.         "Happy Xmas (War Is Over)" – John Lennon et Yoko Ono ◦         Bien qu'il soit plus doux que d'autres morceaux rock, ce classique pacifiste mêle le message de Noël avec l'engagement politique de Lennon, porté par une orchestration puissante. 2.         "Merry Christmas Everybody" – Slade ◦         Ce tube glam rock des années 70 est un hymne joyeux et festif, parfait pour faire danser autour du sapin. 3.         "I Believe in Father Christmas" – Greg Lake (Emerson, Lake & Palmer) ◦         Avec une mélodie mélancolique et des paroles poétiques, ce titre est une critique douce-amère de la commercialisation de Noël. 4.         "Christmas (Baby Please Come Home)" – U2 ◦         Le groupe irlandais offre une reprise passionnée de ce classique des années 60, avec la voix caractéristique de Bono et des guitares planantes.   Le Punk Rock s'invite à la fête Le punk, avec son énergie brute et ses textes souvent provocateurs, propose une vision plus subversive de Noël. Plusieurs groupes ont utilisé cette période pour exprimer leur humour noir ou leur esprit anticonformiste : 1.         "Fairytale of New York" – The Pogues (avec Kirsty MacColl) ◦         Un classique emblématique du folk-punk, racontant une histoire de Noël moins conventionnelle dans une ambiance émotive et festive. 2.         "Merry Christmas (I Don’t Want to Fight Tonight)" – Ramones ◦         Avec des paroles simples mais touchantes, ce morceau capture l'esprit du punk tout en invoquant le besoin de paix durant les fêtes. 3.         "Father Christmas" – The Kinks ◦         Une critique acerbe des inégalités sociales, où un père Noël se fait voler par des enfants en difficulté. 4.         "Oi to the World" – The Vandals ◦         Ce morceau punk hilarant présente une version déjantée de l'esprit de Noël, mêlant humour et riffs énergiques.     Les Compilations et Albums Rock de Noël Certains artistes ont même consacré des albums entiers à la magie de Noël, avec des interprétations originales ou des reprises : 1.         "We Wish You a Metal Xmas and a Headbanging New Year" (2008) ◦         Cette compilation rassemble des légendes du rock et du métal (comme Lemmy Kilmister et Alice Cooper) pour des versions tonitruantes de cantiques de Noël. 2.         "A Twisted Christmas" – Twisted Sister (2006) ◦         Les rois du glam metal revisitent les classiques de Noël avec leur style flamboyant et décalé. 3.         "Punk Rock Christmas" (2015) ◦         Cette compilation regroupe des morceaux punk d'artistes comme Bad Religion, qui s'attaquent aux chansons traditionnelles avec audace.   Autres titres :   Merry Christmas, Kiss my ass - All Time Low Mistress for Christmas - AC/DC Christmas Saves The Year - Twenty one Pilots Christmas Isn’t Christmas - Bon Jovi Mistress for Christmas - Halestorm Les reprises : All I want For Christmas is You - My Chemical Romance Last Christmas - Jimmy Eat World I won’t be Home for Christmas - Blink-182 We Wish You A Merry Christmas- Weezer Santa Baby - Wolf Alice Jingle Bells - Skid Row Et bien d’autres…       Pourquoi ça marche ? Le mariage entre l’énergie du rock/punk et la féerie de Noël peut sembler improbable, mais il fonctionne à merveille. Ces morceaux apportent une dose de nouveauté et d’originalité à des célébrations souvent trop formatées. Ils offrent aussi une catharsis bienvenue à ceux qui trouvent le Noël traditionnel trop sucré ou commercial. Alors que vous prépariez vos playlists de fêtes, n’hésitez pas à ajouter ces hymnes rock et punk pour une ambiance qui sort des sentiers battus. Joyeux Noël... et rock on ! Rédaction : Coline Lefèvre

Les copains de Marseille viennent de dévoiler deux nouveaux singles ainsi qu’un clip pour annoncer leur nouvel album ! C’est arrivé comme un cheveu sur la soupe ! Les Metalleux Français n’ont même pas teasé une seule fois ce qui a été dévoilé cette nuit ! Sulfur et Sombre 16, deux titres liés qui viennent s’ajouter à Creature sorti en janvier 2024 ! Il a fallut pratiquement un an au groupe pour revenir avec de nouveau sons, et ça valait le coup !   The Darkest I’ve Ever Been Deux morceaux uniques qui suivent la lignée prise par les Marseillais, un fond metalcore avec des phrasés rapés ! Le clip est également une continuité de celui de Creature. Une suite qui met en évidence un individu qui se transforme, mentalement et physiquement. Une belle métaphore pour parler de santé mentale. LANDMVRKS annonce dans la foulée la sortie de son nouvel album « The Darkest Place I've Ever Been » le 25 avril prochain chez Arising Empire. 11 titres où les Français se livrent plus en profondeur.   Les titres : 01. The Darkest Place I’ve Ever Been 02. Creature 03. A Line In The Dust 04. Blood Red 05. Sulfur 06. Sombre 16 07. The Great Unknown 08. La valse du Temps 09. Deep Inferno 10. Requiem 11. Funeral   Il est également possible de précommander disques, T-Shirt et tout autre produit dérivés directement sur leur site https://eu.landmvrks.shop   Avec une tournée déjà archi complète, un tour à l’Olympia en février prochain (où TST radio ne manquera pas d’aller) les copains de Marseille vont tout déchirer ! Rédaction : Coline Lefèvre

Chaque année, le petit village de Clisson, en Loire-Atlantique, se transforme en épicentre du METAL ! Good news, le Hellfest vient de dérouler sa prog complète et purée de pommes de terre : ça claque ! L’enfer de la musique chaude bouillante c’est au mois de juin à Clisson ! Cette année, du 19 au 22 juin, amateurs de musique extrême (comme on aime nous appeler) se retrouvent pour trinquer leur binouse avec de la BONNE musique. Avec ses dizaines de milliers de festivaliers, ses scènes spectaculaires et une programmation éclectique, le Hellfest est bien plus qu’un simple événement ! La machine infernale du Hellfest revient en 2025 avec une édition intégralement " Out of Bounds ". Attachez vos ceintures et préparez vos bouchons d’oreilles, car cette édition promet d’être épique ! Une Programmation 5 étoiles pour 4 jours d’énergie pure Dès l’entrée sur le site, l’univers du Hellfest capte l’imagination. Les décors gothiques et post-apocalyptiques, les sculptures gigantesques et l’architecture évocatrice transforment l’espace en une sorte de royaume fantastique. Cette ambiance unique se prolonge dans l’attitude des festivaliers, généralement accueillants et solidaires, qui créent une atmosphère de communion autour de la musique et de la passion commune pour le METAL (bisous à tous les Metalleux) Ce qu’on retient de la prog’ : Jeudi 19 juin 2025 :  Korn prendra d’assaut la Mainstage aux côtés de Lindemann, Airbourne et Apocalyptica, pour une ouverture qui promet de marquer les esprits. Les amateurs de sonorités éclectiques pourront également retrouver Jinjer et Sunn O))) sur les autres scènes. Vendredi 20 juin 2025 :  Muse revient sur le devant de la scène avec un show attendu sur la Mainstage, accompagnés de The Hu et The Cult. Pour les amateurs de punk, la Warzone accueillera les légendaires Sex Pistols. Le ballet de Pentagram sur la Valley complétera cette journée intense.Du core féminin avec Spiritbox et Future Palace ! Samedi 21 juin 2025 :  Les mythiques Scorpions feront vibrer Clisson avec un plateau regroupant également la Satchvai Band et Myles Kennedy. Pendant ce temps, Dream Theater et Judas Priest transporteront les festivaliers dans une dimension mélodique unique. Dimanche 22 juin 2025 :  Linkin Park clôturera le festival en beauté. Refused, Motionless in White, Knocked Loose, Poppy, Lorna Shore et les français Novelists s’ajouteront à une soirée dédiée aux sonorités puissantes et émotionnelles. Bref, 184 groupes, 6 scènes et une MainStage consacrée aux NANAS !!! Ouais ! C’est le vendredi avec que des chanteuses et musiciennes ! Une Expérience Totale avec des Ambiances Variées Chaque scène offre une identité propre : •              La Mainstage  propose les grands noms incontournables. •              La Warzone  fait la part belle au punk et au hardcore. •              La Valley  est un sanctuaire pour les amateurs de doom, stoner et autres sonorités éthérées. •              L’ Altar  et la Temple  raviront les fans de death metal, black metal et de leurs sous-genres. Informations Pratiques Le Hellfest 2025 se tiendra à Clisson, en France, du 19 au 22 juin. Les billets 1 jour (pass 4 jours complet)  seront en vente prochainement , alors ne tardez pas à réserver votre pass pour vivre cet événement légendaire. Pour plus d’informations, rendez-vous sur le site officiel : www.hellfest.fr . Préparez-vous à quatre jours d’une intensité musicale hors normes. Le Hellfest 2025 s’annonce déjà comme une édition historique à ne pas manquer ! Rédaction : Coline Lefèvre

Le festival Beauregard, rendez-vous incontournable des amateurs de musique, vient de révéler les nouveaux noms qui enrichiront son affiche déjà prometteuse pour l'édition 2024. Comme à son habitude, l'événement normand frappe fort avec une programmation éclectique, mêlant têtes d’affiche internationales et talents émergents !! Fin de semaine électro, rap, pop !   Parmi les artistes fraîchement annoncés, on retrouve des icônes de la scène rock, électro et pop. Le jeudi 3 juillet, l’icône britannique JORJA SMITH se produira pour la première fois en Normandie ! Sa voix d’or, poignante, qui transcende les genres, navigant brillamment entre soul, R&B et pop, promet d’envoûter notre parc tout entier. Un moment fort, scintillant, empli d’émotion... absolument immanquable ! Et pour clôturer cette journée de la plus belle des manières, c’est le DJ producteur THE AVENER qui s’emparera de la scène. Le vendredi 4 juillet, DAMSO et ZAMDANE, deux rappeurs français raviront les adeptes du genre avant de laisser leur place à  MYD ! DJ unique en son genre, auteur-compositeur, producteur, instrumentiste et chanteur et français BIGA*RANX, sa première au château !   Un week-end indie rock!   Samedi 5 juillet, c’est la française HOSHI et le rappeur GRINGE qui rejoignent l’affiche (un peu de Normandie ça fait plaisiiiir !) Qui sait, peut-être que le Caennais va emmener son pote avec lui…. Le dimanche 6 juillet, Clara Luciani revient sur la scène de John ! Les fans d’indie rock vont être heureux ! Le duo britannique WET LEG va vous clouer les fesses sur votre Chaise Longue ! Autre duo : THE LIMIÑANAS qui conclut cette nouvelle annonce de programmation ! Empreint De rock sixties et de psychédélisme, pour terminer le festoche en beauté !   Une expérience unique   Installé dans le cadre enchanteur du parc de Beauregard, à Hérouville-Saint-Clair, le festival est autant apprécié pour son cadre idyllique que pour la qualité de sa programmation. Chaque année, des milliers de festivaliers viennent profiter d’une ambiance conviviale, de scènes magnifiquement aménagées et d’une diversité musicale qui fait le bonheur de tous.   Dates et billetterie   Le festival se tiendra du 2 au 6 juillet 2025 . Les billets sont déjà disponibles en ligne, et certains pass journaliers sont près de se vendre à guichets fermés.   Avec une programmation pareille, Beauregard s’annonce comme l’un des grands rendez-vous de l'été prochain. Alors, préparez vos agendas et vos oreilles : la saison des festivals s'annonce déjà inoubliable ! Rédaction : Coline Lefèvre