La scène rock rouennaise a rendez-vous le vendredi 23 octobre 2026 au Fury Bar ! Le groupe ELKTRK SKIN y célébrera la sortie de son premier EP, Fault Line, avec COLORS IN THE DARK en première partie. Une soirée placée sous le signe du rock brut et des sonorités alternatives, à découvrir gratuitement en plein cœur de Rouen. ELKTRK SKIN : un premier EP pour le quatuor rouennais Originaire de Rouen, ELKTRK SKIN est un quatuor qui revendique un rock brut, intense et sans détour. Son univers s’appuie sur des guitares abrasives, une tension organique et des atmosphères sombres, avec une identité visuelle qui accompagne son approche musicale. Après avoir dévoilé Wide Open, son premier single à l’été 2026, le groupe franchit une nouvelle étape avec la sortie de son premier EP, Fault Line, le 25 septembre. Cette soirée au Fury Bar sera l’occasion de célébrer cette sortie sur scène et de découvrir l’univers du groupe en concert. Pour suivre son actualité : la page Facebook d’ELKTRK SKIN. COLORS IN THE DARK : le rock alternatif normand en ouverture Pour lancer la soirée, ELKTRK SKIN sera accompagné de COLORS IN THE DARK, un duo normand qui explore les contrastes du rock alternatif moderne. Le groupe alterne riffs incisifs, batterie dense et voix puissantes avec des passages plus aériens, portés par des textures de synthétiseurs et des ambiances immersives. Cette dynamique donne à sa musique un relief particulier, entre énergie rock et moments plus introspectifs. Les morceaux, chantés en anglais, mêlent mélodies accessibles et arrangements riches en nuances. Côté textes, le duo navigue entre introspection poétique et récits teintés de fantastique. Une première partie qui promet une autre facette du rock actuel normand. Pour découvrir le duo : la page Facebook de COLORS IN THE DARK. Un concert gratuit au Fury Bar Que vous soyez amateur de rock alternatif, curieux de découvrir de nouveaux groupes normands ou simplement à la recherche d’un concert pour lancer votre vendredi soir, cette affiche est une belle occasion de soutenir la scène locale. La soirée se déroulera au Fury Bar, place de la Basse Vieille Tour, à Rouen. Et bonne nouvelle : l’entrée est gratuite ! Informations pratiques Date : vendredi 23 octobre 2026 Horaire : 20 h Lieu : Fury Bar, 23 place de la Basse Vieille Tour, 76000 Rouen Tarif : entrée gratuite À l’affiche : COLORS IN THE DARK en première partie, puis ELKTRK SKIN pour la release party de Fault Line Une soirée à noter pour les amateurs de guitares, d’atmosphères sombres et de découvertes musicales normandes. Pour ne rien manquer de la scène culturelle rouennaise, retrouvez les autres articles d’Infos Rouen TST Radio et branchez-vous sur TST Radio pour découvrir de nouveaux artistes indépendants !

Le nom d’un groupe, c’est un peu comme une marque. Une empreinte laissée dans l’histoire et pas des moindres : celle qui va assurer une notoriété. Zoom sur le choix de quelques-uns. Pearl Jam Avant de s'appeler Pearl Jam, le groupe était connu sous le nom de "Mookie Blaylock", en référence au joueur de basket-ball NBA du même nom. Après avoir signé avec Epic Records, le groupe a été contraint de changer de nom pour éviter des problèmes juridiques potentiels. Le nouveau nom, Pearl Jam, est souvent attribué à Eddie Vedder, le chanteur du groupe. Vedder aurait eu l'idée du nom en raison de sa grand-mère Pearl, qui faisait des confitures de "peyote" (une plante hallucinogène) et de "jam" (de la musique). Cependant, Vedder lui-même a déclaré dans des interviews que le nom avait été choisi collectivement par le groupe. En fin de compte, la signification exacte derrière le nom Pearl Jam reste un peu mystérieuse et sujette à interprétation. Nirvana Le nom "Nirvana" a une signification profonde et reflète les croyances philosophiques et spirituelles de Kurt Cobain, le leader du groupe. Lorsqu’on lui a demandé pourquoi il avait choisi le nom "Nirvana" pour le groupe, Cobain a expliqué qu'il était fasciné par la notion bouddhiste du nirvana, qui représente l'état de libération et d'illumination totale. Cobain était intéressé par le bouddhisme et la philosophie orientale, et le nom "Nirvana" reflétait son désir de transcender les souffrances de la vie et d'atteindre un état de paix et d'harmonie. Cobain a également déclaré qu'il aimait le fait que le mot "Nirvana" soit court, facile à retenir et sonnait bien. Blink-182 L'histoire derrière le nom "Blink-182" remonte aux premiers jours du groupe, lorsque ses membres étaient encore des adolescents à Poway, en Californie. À l'origine, le groupe s'appelait simplement "Blink". Cependant, ils ont découvert qu'il existait déjà un groupe irlandais portant le même nom. Pour éviter toute confusion et des problèmes potentiels liés aux droits d'auteur, ils ont décidé d'ajouter "182" à leur nom. La signification exacte derrière "182" est restée un peu obscure. Certains membres du groupe ont plaisanté en disant que c'était simplement un nombre aléatoire choisi sans signification particulière. D'autres spéculations ont circulé, mais aucune explication officielle n'a été fournie. AC/DC Le nom AC/DC est associé à deux origines potentielles, bien que la version officielle soit liée à l'électricité et à l'énergie. D’une part en lien avec le courant électrique, le courant continu, abrégé en anglais en AC et DC. Cette explication évoque l'idée d'énergie électrique, qui correspondait au désir du groupe de transmettre une énergie brute à travers leur musique. La deuxième c’est celle de la bisexualité, "AC/DC" serait un argot pour Ambi sexual. The Strokes Le nom "The Strokes" a été choisi par les membres du groupe alors qu'ils étaient encore à l'université. L'histoire derrière ce nom n'est pas aussi élaborée que celle de certains autres groupes, mais il y a quelques explications possibles. Certains membres du groupe ont déclaré que le nom "The Strokes" était simplement un jeu de mots sur le fait de "faire des coups" musicaux ou d'être "au sommet de son jeu". Dans le langage courant, "strokes" peut signifier des coups de maître ou des réalisations remarquables. Une autre interprétation suggère que le nom "The Strokes" pourrait être une référence au golf, où "stroke" est un terme utilisé pour décrire un coup ou un mouvement. MUSE L'origine du nom Muse est attribuée à Matthew Bellamy, le chanteur et guitariste principal du groupe. Le nom "Muse" fait référence aux neuf déesses de la mythologie grecque, appelées les Muses, qui étaient les inspiratrices des arts, de la littérature et des sciences dans la culture grecque antique. Les Muses étaient considérées comme une source d'inspiration divine pour les artistes et les penseurs. En choisissant le nom Muse, le groupe a voulu exprimer leur désir d'être inspirés et de puiser dans différentes sources créatives pour leur musique. Ils ont également aimé l'idée que le nom évoque une forme d'inspiration céleste ou divine. Bring Me the Horizon Selon Oliver Sykes, chanteur du groupe, le nom "Bring Me the Horizon" a été inspiré par une réplique du film "Pirates des Caraïbes : Le Coffre maudit" (2006). Dans le film, le personnage de Johnny Depp, le capitaine Jack Sparrow, dit : "Now, bring me that horizon" (Maintenant, apportez-moi cet horizon). Cette phrase a captivé Sykes, et il a trouvé qu'elle évoquait un sentiment de liberté, d'aventure et de possibilité infinie. Il a donc décidé de l'adopter comme nom de groupe, avec quelques modifications mineures pour le rendre plus dynamique et provocateur. Le nom "Bring Me the Horizon" évoque donc un désir de repousser les limites, de chercher de nouveaux horizons et d'explorer des territoires inconnus. Il reflète également le son énergique et ambitieux du groupe, ainsi que leur volonté d'innover et d'expérimenter dans leur musique. Radiohead Le nom "Radiohead" a été choisi par le groupe alors qu'ils étaient encore connus sous le nom de "On a Friday". Une des théories les plus répandues est que le nom "Radiohead" a été inspiré par une chanson du groupe américain Talking Heads intitulée "Radio Head". Les membres de Radiohead étaient fans de Talking Heads et auraient pu choisir leur nom en hommage à ce groupe. Une autre interprétation suggère que le nom "Radiohead" pourrait refléter l'intérêt du groupe pour la technologie et les médias. Le terme "radio" évoque évidemment la diffusion et la communication, tandis que "head" pourrait faire référence à la tête ou à la pensée, symbolisant peut-être une approche intellectuelle ou avant-gardiste de la musique. Esthétique sonore : Certains pensent que le nom "Radiohead" a été choisi simplement pour son esthétique sonore, sans avoir de signification particulière. Comme c'est souvent le cas avec les noms de groupe, l'accent peut être mis davantage sur la sonorité et la mémorabilité du nom que sur sa signification réelle. Le Tigre Le nom "Le Tigre" a été choisi par Kathleen Hanna, membre fondateur du groupe, en référence à une expression féministe utilisée dans les années 1970. L'origine exacte de cette expression n'est pas claire, mais elle est souvent associée à la culture féministe et au mouvement de libération des femmes. L’expression "Le Tigre" était utilisée comme une manière de se sentir puissant et confiant, elle évoquait une attitude féroce et assertive face aux défis et aux oppressions auxquels les femmes étaient confrontées. En choisissant le nom "Le Tigre" pour leur groupe, Kathleen Hanna et les autres membres voulaient adopter cette attitude audacieuse et revendicative dans leur musique et dans leur image. Le nom incarnait l'esprit combatif et le message politique du groupe, qui abordait souvent des thèmes tels que le féminisme, la lutte contre les normes de genre et les questions sociales dans leurs chansons. Rédaction Coline Lefevre

Connaissez vous ces anecdotes sur Taylor Swift L'artiste Taylor Swift n'en finit pas de faire parler d'elle, et chacun de ses concerts est complet des mois à l'avance. On a donc sorti notre chapeau d'enquêteurs pour vous trouver quelques histoires croustillantes sur ses concerts, ses albums, sa vie de couple, ses relations avec Spotify, et bien d'autres choses ! Taylor est superstitieuse On commence avec une anecdote assez croustillante, puisqu'en 2009, la chanteuse américaine disait : «Je suis née un 13. J'ai fêté mes 13 ans un vendredi 13. Mon premier album est devenu disque d'or en 13 semaines. La première de mes chansons à devenir numéro 1 comporte une intro de 13 secondes. À chaque fois que le nombre 13 surgit dans ma vie, il se passe quelque chose de positif» A tel point qu'avant chacun de ses concerts, elle écrit le chiffre 13 sur le dos de sa main, et vu son succès, ça à l'air de marcher ! Quel est l'origine du nom de Taylor Swift ? Andrea Finlay voulait pour sa fille un prénom assez passe partout, dans le but de ne pas la freiner dans sa carrière. Son choix s'est donc porté sur Taylor, en référence au musicien James Taylor. Les deux ont d'ailleurs eu l'occasion de partager la scène en 2011. Anecdote bonus, le père de Taylor, Scott Swift est conseiller financier, métier auquel se prédestinait sa fille qui finalement se fera happer par la musique. Il possède également 3% de la maison de disque de sa fille. Il y a eu un drama avec Kanye West Heureusement les deux s'entendent désormais bien, mais ce ne fut pas toujours le cas. En septembre 2009, lors des MTV Video Music Awards, Taylor Swift devient la première artiste de country à remporter le prix du meilleur clip de l'année d'une artiste féminine pour sa chanson "You Belong with Me". Cependant, son discours de remerciements est interrompu par le rappeur Kanye West, qui déclare que Beyoncé méritait le prix. Cet incident attire l'attention des médias et suscite des réactions négatives envers Kanye West. Swift reste calme et refuse de nourrir la controverse. Plus tard, Kanye West présente des excuses à Swift sur Twitter, et Swift lui répond en jouant la chanson "Innocent" lors des MTV Video Music Awards 2010. Les deux artistes se rencontrent ensuite lors d'un événement public en signe de réconciliation. Tout est bien qui finit bien avec cette anecdote C'est une artiste complète En dehors de la musique, Taylor Swift possède de nombreux autres talents. Elle a notamment écrit un roman de 350 pages non publié. Elle s'est aussi essayée avec brio à la peinture. Côté musique, elle est également multi talent, puisque c'est elle qui compose la majorité de ses textes, de ses musiques et qui les interprète. Elle a également une jolie filmographie à son actif puisqu'elle a jouée dans plusieurs films et séries télévisées. Elle a une espèce de mille pattes à son nom Assurément l'anecdote la plus cocasse que nous ayons trouvé. Tout comme les Beatles et bien d'autres artistes populaires dans le monde de la musique, Taylor Swift a inspiré des scientifiques pour denommer une des nombreuses espèces d'insectes. Dans le Tennessee, vous pourrez donc croiser la Nannaria swiftae (on a vu la photo, pas ouf...). Derek Hennen, le scientifique qui a donné ce nom à déclarer que la musique de Swift « l'a aidé à traverser les hauts et les bas de ses études supérieures, donc nommer une nouvelle espèce de mille-pattes d'après elle était [sa] façon de lui dire merci. » Elle est la reine des récompenses musicales Faire la liste des récompenses musicales détenues par Taylor Swift serait juste beaucoup trop long et pour cause, la chanteuse cumule près de 750 nominations. Et dans plus de 60% des cas, elle décroche la récompense, pour un total de 481, au moment où nous écrivons ces lignes. Taylor Swift et ses couples Depuis ses débuts dans l'industrie musicale, Taylor Swift a été connue pour écrire des chansons personnelles inspirées de ses relations amoureuses. De ses premiers amours adolescent avec Joe Jonas jusqu'à sa récente séparation avec Joe Alwyn, chaque histoire d'amour a servi de matière première à sa musique. En 2008, Taylor Swift était en couple avec Joe Jonas, membre des Jonas Brothers. Leur rupture a fait les gros titres lorsque Taylor a révélé lors d'une émission télévisée que Joe l'avait quittée par téléphone en seulement 27 secondes. Cette expérience a inspiré plusieurs chansons, dont "Forever and Always" et "Last Kiss". Au fil des années, Taylor Swift a enchaîné les relations amoureuses qui ont été largement médiatisées. Elle a eu une brève romance avec l'acteur Taylor Lautner en 2009, qu'elle a ensuite évoquée dans sa chanson "Back to December". Elle a également fréquenté John Mayer, avec qui elle a eu une relation tumultueuse, et a écrit des chansons telles que "Dear John" pour exprimer ses sentiments. En 2010, Taylor Swift a été en couple avec Jake Gyllenhaal, puis avec Harry Styles en 2012. Leur rupture a été source d'inspiration pour des hits comme "I Knew You Were Trouble" et "Out of the Woods". Elle a aussi eu une relation avec Calvin Harris, le DJ britannique, et leur collaboration musicale "This Is What You Came For" est devenue un succès mondial. Depuis 2016, Taylor Swift partageait sa vie avec l'acteur britannique Joe Alwyn. Leur relation a duré plus de six ans avant de prendre fin au début de cette année. La presse a récemment rapporté une brève romance entre Taylor Swift et Matty Healy, membre du groupe The 1975, mais ils se sont rapidement séparés. Plus récemment, en septembre 2023, il a été révélé que Taylor Swift fréquentait le joueur de football américain Travis Kelce. Cette nouvelle relation amoureuse suscite beaucoup d'attention et les fans attendent avec impatience de voir si cela se reflétera dans sa musique à venir. À travers toutes ces relations et ruptures, Taylor Swift a utilisé sa musique comme une forme de catharsis et d'expression de soi. Ses chansons honnêtes et émotionnelles ont touché de nombreux auditeurs, ce qui explique en partie son succès continu dans l'industrie musicale. Elle a fait un bras de fer contre Spotify Retour en 2014 avec cette anecdote marketing. La chanteuse décide de boycotter la plateforme de streaming suédoise. Tous ses titres sont ainsi retirés de la plateforme. La raison ? L'artiste se plaignait de la trop faible rémunération des artistes par la plateforme de diffusion musicale. Les titres de Taylor Swift ne sont revenus qu'en 2017, après que les deux partis aient trouvé un accord. Elle a réenregistré plusieurs de ses albums Nous avons consacré tout un article sur le sujet, mais pour résumer la situation, Taylor Swift a réenregistrer plusieurs de ses albums afin d'en récupérer les droits. Son premier label Big Machine, avait en effet la propriété des mastering de Taylor Swift, ce qui faisait que la chanteuse ne touchait rien des royalties générés. Une fois son contrat arrivé à terme, elle a décidé de tous réenregistrer, et les versions que vous entendez sont les siennes, et non les anciennes que tout le monde a oublié depuis... Sa tournée Eras est la plus lucrative du monde Loin devant Bruce Springsteen, Taylor Swift va s'arroger le titre d'artiste avec la tournée la plus rentable de tous les temps ! Une belle revanche lorsque l'on sait que la précédente tournée avait été annulée en raison de la pandémie mondiale. A l'heure actuelle, Taylor Swift : The Eras Tour aurait généré plus de 4 milliards de dollar, uniquement aux USA ! Les dates de concerts ont une telle influence sur l'économie locale (transport, logement,...) que de nombreux dirigeants négocient pour ajouter des dates dans la tournée. On espère que vous avez apprécié cet article autour des anecdotes qui concerne Taylor Swift ! Sachez que nous en avons d'autres en stock ! Si vous voulez en savoir plus, on vous conseille la lecture de "Taylor Swift : new generation". Source : https://business-cool.com/decryptage/insolite/taylor-swift-revenus-hallucinants-the-eras-tour/ https://fr.wikipedia.org/wiki/Taylor_Swift https://www.nrj.fr/artistes/taylor-swift/actus/taylor-swift-cinq-choses-que-vous-ignorez-peut-etre-sur-la-chanteuse-346349#:~:text=Taylor%20Swift%20est%20superstitieuse&text=%C2%ABJe%20suis%20n%C3%A9e%20un%2013,une%20intro%20de%2013%20secondes. https://www.lesacdechips.com/2015/07/06/24-choses-surprenantes-a-savoir-sur-taylor-swift

Peu de gens le savent, mais il est possible pour n’importe qui de louer la mythique salle parisienne de l’Olympia. Mais combien cela coute-t-il et quelles sont les conditions ? On vous dit tout dans cet article Approximativement 50 000€ Une soirée à l’Olympia coûte 25 000€ en frais de location de salle. A cette somme, il faut ajouter le salaire des technicien, le cachet des artistes, et tous les autres frais de productions lié à votre événement. Hors cachet, vous pouvez ajouter d’office 25 000€.C’est le prix a payer pour avoir votre nom écrit en néon rouge sur la façade du bâtiment ! Evidemment, cette somme n’est qu’indicative, tout dépendra de votre projet. Quelques conditions Cependant, la direction de la salle est claire, pas de spectacle ou d’événement hors de l’éthique du lieu. Religion et politique sont donc exclus de toute location. De même, les événements privés restent minoritaires sur la programmation de la salle, en 2017, seules 25 dates sur 300 étaient dédiés aux projets privés. Enfin, dernière condition, trouver une date ! Et c’est surement là le plus difficile, tant cette salle est demandée… Une salle mythique qui peut donc être à vous, à condition d’aligner les sommes ! Si le sujet vous intéresse, on s’est aussi demander combien ça coutait Paris Bercy.

33 c’est le nombre d’artistes qui se sont succédé sur la scène du festival de Woodstock entre le 15 et le 18 août 1969. On a compilé pour vous les artistes présents, et il y a quelques surprises et de grands noms de la musique. Si tous n’ont pas laissé un souvenir impérissable au public, tous les artistes présents ont cependant marqués à leur façon ce qui est encore considéré aujourd’hui comme le plus grand festival de musique de tous les temps. Les artistes qui étaient présents à Woodstock en 1969 sont : Arlo Guthrie Bert Sommer Blood, Sweat and Tears Canned Heat Country Joe & The Fish Country Joe McDonald Creedence Clearwater Revival Crosby, Stills, Nash and Young Grateful Dead Janis Joplin Jefferson Airplane Jimi Hendrix Joan Baez Joe Cocker & The Grease Band John Sebastian Johnny Winter Keef Hartley Band Melanie Mountain Paul Butterfield Blues Band Quill (groupe) Ravi Shankar Richie Havens Santana Sha Na Na Sly and the Family Stone Swami Satchidananda Sweetwater Ten Years After The Band The Incredible String Band The Who Tim Hardin Si vous souhaitez en savoir plus sur le festival, on vous conseille "Woodstock, 3 jours de paix et de musique" par Mike Evans. Autre festival mythique, le Live Aid 1985 avait également réuni un panel de star impressionnant !

Souvenez-vous, l’été 2017, le monde de la musique s’est à nouveau écroulé. Le mythique chanteur de Linkin Park, Chester Bennington est retrouvé mort chez lui à l’âge de 41 ans. Si le renouveau du groupe laisse une dose d’espoir pour le futur de leur musique, la voix de Chester résonne encore à travers le monde entier. 26 mai 2017, Chester Bennington – leader de Linkin Park – est sur scène. Son pote , Chris Cornell, de Soundgarden était à ce moment enterré dans un cimetière à Los Angeles. « Mon nom est Chester, J’ai eu l’immense privilège d’être un ami de Chris et d’avoir été invité à faire partie de sa famille. » Halleluja se déroule sous son timbre de voix si précieux plein de douleur. 2 mois après, c’est Chester qui est enterré. Retrouvé pendu le 20 juillet à son domicile de Palos Verdes Estate dans le conté de Los Angeles. Le groupe devait partir en tournée une semaine après. Addiction et santé mentale C’est un départ précoce de ses vacances en Arizona avec sa famille, que Chester sème le doute. Ce 20 juillet, le groupe avait un shooting de prévu dans la matinée, Chester rentre seul chez lui. Une bouteille vide est retrouvée à côté de lui. C’est l’incompréhension. One More Light, est au sommet des charts, une tournée est en route, Chester laisse ses vieux démons de côté et sa santé va de plus belle. Car oui le chanteur n’a pas toujours été en forme olympique. Son combat contre l’addiction à l’alcool et la dépression font partie du personnage. Il était allé en cure de désintoxication en 2006 et avait semblé totalement sobre les années qui suivirent. Sauf que ce n’était pas autant du passé. Ses amis expliquent qu’il avait souffert d’une rechute de trois jours en août 2016 et qu’il avait recommencé à boire en fin d’année. Un mois avant sa mort, Chester raconte à Ryan Shuck, guitariste dans le groupe Dead by Sunrise, qu’il était sobre depuis six mois, le paradoxe, il lui dit également qu’il lutte contre l’alcoolisme. Des dizaines de sms qui prouvent que le leader de Linkin Park n’allait pas bien et que la rechute était bel et bien là. Shuck pense que Bennington « a bu quelques verres » avant sa mort mais nie les théories selon lesquelles Chester se serait suicidé à cause de la mort de Cornell. Mais d’où viennent ses troubles ? Né dans les années 70 à Pheonix, benjamin de quatre enfants, d’une mère infirmière et d’un père, enquêteur chargé de crimes pédophiles, le couple divorce aux 11 ans de Chester. Le jeune homme prend la décision de vivre avec son paternel. De ses 7 à 13 ans, il fut abusé sexuellement par un ami « Je me faisais battre et on me forçait à faire des choses que je ne voulais pas faire, Cela a détruit mon estime de moi. » Un déclenchement. Il se met à la drogue et l’alcool dès l’adolescence. Tout y passe.« Je buvais tellement que je me faisais dessus ». Dans les chansons du groupe, on peut rapidement capter la vie du chanteur à travers les paroles. C’est le cas de « ‘Crawling’ » qui parle de la de perte de contrôle, celle que Chester a quand il n’a plus sa dose. Le 20 juillet, les fans sont sous le choque. Dix jours après son décès, le domicile du chanteur était entouré de fans qui déposent des fleurs, des dessins, des affiches, des médiators et des croix. Oui, le monde de la musique a perdu une énième légende mais ce n’est pas pour autant la fin d’un groupe. Le 7 septembre, Emily Armstrong fait revivre LP en devenant la chanteuse du groupe. Elle ne remplace pas Chester Bennington mais offre une renaissance inattendue pour un futur en mémoire d’un grand. Rédaction : Coline Lefèvre

Plongez dans l'univers poignant de "Requiem pour un fou", qui explore les thèmes sombres de la passion et de la violence. Plongez dans l'univers poignant de "Requiem pour un fou" Une œuvre emblématique de Johnny Hallyday qui explore les thèmes sombres de la passion et de la violence. Une réflexion essentielle sur les réalités des relations amoureuses. "Requiem pour un fou" est un titre emblématique qui a atteint les sommets dès sa sortie. Avec ses thèmes ambivalents, la performance de Johnny Hallyday est considérée comme l’une des plus passionnées de la chanson française. Découvrez tout ce que vous ne savez pas derrière ce titre. Innovation artistique et un thème complexe Sorti en 1976 dans son album « Derrière l’amour », Johnny Hallyday signe l’un de ses plus grands succès avec « Requiem pour un fou ». Cette chanson est citée comme l’une des œuvres essentielles du répertoire de l’artiste. Écrite en collaboration avec Michel Mallory, ce succès a permis au chanteur et au parolier de développer, au-delà d’une longue collaboration, une grande amitié qui a engendré de nombreux succès durant plusieurs décennies. Le titre et le clip sont totalement novateurs, tant par leurs thèmes que par leur performance et leur cinématographie. La chanson résonne sur un des réalisme contemporain: les violences conjugales. Il abordant l’un des sujets les plus complexes de la société. Le thème principal est celui du crime passionnel, où la souffrance et le déchirement occupent le cœur de la narration. Comment peut-on aimer à en tuer ? Comment rendre poétique une relation amoureuse où la violence est centrale ? Faut-il pardonner ou comprendre l’auteur d’un tel crime sans connaître les raisons, mais uniquement la finalité ? On y met en scène un « fou » qui tue sa bien-aimée par sa « folie » amoureuse. Un poème chanté Les paroles évoquent la folie dans son expression la plus sombre, tout en faisant référence au « fou » dans un sens littéraire et artistique, ou elles illustrent l’idée d’abandon, de désespoir et de regret. Elles forment un poème, et plus particulièrement un sonnet moderne, donnant l’impression d’un poème chanté plutôt que d’une chanson traditionnelle. De plus, l’enregistrement et le travail instrumental intègrent de nombreux sons d’ambiance, accentuant le caractère poétique tout en créant une atmosphère réelle et mélancolique. Le féminicide est le thème central, mais il met également en lumière le désespoir du personnage, une perspective rarement abordée. Lors de ses nombreux concerts, Johnny livre des performances encore plus intenses que ses autres tubes, voir change quelques paroles afin d’adapter et d’innover un peu plus le titre, offrant une profondeur émotionnelle bien au-delà de ce que le grand public connaît habituellement de l’artiste. Adaptations et réflexions De nombreuses adaptations et duos en live ont vu le jour, notamment avec Lara Fabian, qui remixent le titre en présentant un « fou » masculin et « une folle », soulignant que ce crime passionnel n’est pas l'apanage d'un homme envers une femme. Les critiques mettent en avant les paroles, qui révèlent l’état psychologique et les relations toxiques, ouvrant un débat sur le pardon dans le contexte d’un féminicide. À travers ce titre, on retrouve une réflexion féministe, où l'œuvre est présentée comme un exemple de la réalité moderne, et elle constitue l’une des plus grandes œuvres de la culture populaire sur la question de la violence faite aux femmes, même de manière implicite. Certains auditeurs y voient un reflet de leur propre vécu, offrant ainsi une éducation et une sensibilisation sur la violence au sein des couples.

« Comme toi » un tube au lourd passé qui touche toutes les générations encore à l’heure actuelle. Découvrez les secrets derrière sa mélodie et ses paroles "Comme toi", titre sorti en 1982 dans l'album Minoritaire de Jean-Jacques Goldman, est un succès immédiat, avec plus de 600 000 exemplaires vendus. Entre le contraste musical et celui des paroles, l’inspiration d’une histoire vraie, et l’impact sociétal, cette chanson est devenue un emblème d'émotion et de mémoire. Mais derrière son apparente simplicité se cachent de nombreuses histoires et détails moins connus qui enrichissent encore plus sa profondeur. « Comme nous » : de l’anonymat à l’universalité L’histoire poignante et tragique de cette chanson renvoie à celle d’une petite fille disparue dans les horreurs de la Shoah durant la Seconde Guerre mondiale.
 La petite Sarah mène une vie comparable à celle de toutes les petites filles de huit ans. Le chanteur choisit délibérément un prénom simple et la phrase « elle n’avait que huit ans », renvoyant directement au « comme toi », qui pourrait être compris comme « comme nous ». Cela évoque aussi le principe de l’anonymisation, comme cela se pratiquait dans les camps où les victimes étaient réduites à de simples numéros. Ce personnage de Sarah est également un clin d'œil à la fille de Jean-Jacques Goldman, Caroline, qui avait à l’époque de l’écriture de la chanson, huit ans elle aussi. Le parallèle est troublant : la petite Sarah aurait pu être « comme elle ». Ce lien intime touche tous les parents, grands-parents ou proches d’enfants, leur faisant ressentir que cela aurait pu être leur propre enfant. Un fait intéressant : dans le clip de la chanson, la petite fille représentée n’est pas Caroline ni une personne liée à la famille de Goldman. Il s'agit d'une autre jeune fille nommée Rachel Goldman (sans lien familial avec le chanteur), choisie pour incarner visuellement Sarah. Ce choix accentue encore le caractère universel du message de la chanson, où cette petite fille pourrait être n’importe quelle enfant. Un lien personnel Jean-Jacques Goldman entretient un lien très personnel avec cette chanson, à travers son héritage familial et la relation avec sa fille. L'inspiration lui est venue alors qu'il feuilletait un album photo familial. Parmi des personnes inconnues ou éloignées, il est tombé sur des photos annotées du mot « déporté ». Il a alors découvert le portrait d’une jeune fille qui « regardait ailleurs, qui pensait probablement plus à jouer à la poupée qu'à poser ». Cette jeune fille était Ruth. Une écriture simple, un thème décrié Goldman a raconté que, malgré la gravité du thème, l’écriture de la chanson a été étonnamment rapide. L’émotion pure et immédiate qu’il ressentait a permis à la mélodie et aux paroles de couler de manière naturelle. Pourtant, malgré cette aisance d’écriture, la chanson a failli ne pas figurer sur l’album Minoritaire. Goldman craignait que le thème soit trop lourd et déconnecté des autres morceaux. Finalement, elle y a trouvé sa place et est devenue l’un des titres les plus emblématiques de sa carrière. Un succès, un devoir de mémoire La chanson, accompagnée par une mélodie mélancolique et douce, renforce le sentiment de tristesse et de nostalgie à travers la simplicité du texte. La petite Sarah n’est pas inspirée directement d’une personne spécifique, mais elle représente l'innocence de tous les enfants victimes de la guerre. Cette approche rend la chanson universelle, au-delà de sa thématique juive ou de la Shoah, en rappelant la normalité et l’humanité de toutes les victimes de la cruauté humaine. Malgré l’absence de mention explicite de la Shoah, du nazisme ou de la Seconde Guerre mondiale, "Comme toi" a été utilisée dans de nombreuses cérémonies commémoratives et hommages aux victimes de la Shoah. Son message universel de paix continue de traverser les générations, touchant ceux qui, même sans connaître le contexte historique, sont profondément émus par la beauté et la simplicité du texte et de la mélodie. Par ailleurs, Jean-Jacques Goldman n’a jamais voulu enfermer la chanson dans un cadre strictement religieux ou historique. Pour lui, "Comme toi" est un hymne à l'innocence perdue de tous les enfants victimes de la guerre. Enfin, "Comme toi" ne se limite pas à un devoir de mémoire envers les victimes du nazisme, mais incarne aussi une réflexion plus large sur la haine et la violence humaine. À plusieurs reprises, Goldman a pris position contre les injustices sociales et les violences faites aux minorités. Cette chanson, bien qu’elle évoque la Shoah, est un appel à la réflexion collective pour dire « plus jamais ça », et faire en sorte que de telles horreurs ne se reproduisent plus jamais.

La Saint-Valentin est là, et quoi de mieux que de célébrer l’amour à travers l’histoire des couples les plus iconiques du rock ? Ces duos ont non seulement marqué la scène musicale, mais ont aussi prouvé que l’amour et le rock’n’roll font vraiment bon ménage. Entre passions dévorantes, collaborations artistiques et aventures tumultueuses, voici un tour d’horizon des couples qui ont fait vibrer le monde de la musique ! John Lennon & Yoko Ono Impossible de parler de couples légendaires sans évoquer John et Yoko ! Leur histoire est peut-être la plus médiatisée de toutes, entre leur engagement pour la paix et leurs projets artistiques communs. Bien sûr, leur relation a souvent été vue d'un œil critique, certains accusant Yoko d’avoir "divisé" les Beatles. Mais en vrai, leur amour a inspiré des morceaux comme Imagine, et leur complicité créative a laissé une trace indélébile dans l’histoire du rock. En tout cas, leur message était clair : l’amour peut changer le monde. Courtney Love & Kurt Cobain Ah, le grunge. Et qui dit grunge, dit forcément le couple mythique formé par Courtney Love et Kurt Cobain. Leur romance, autant que leur musique, a déchiré les années 90. Entre l’intensité de leur amour et la tragédie de la disparition de Kurt, ce couple a marqué les esprits. Leur relation était tout sauf tranquille, mais elle a aussi donné naissance à des chansons mémorables et à une époque qui restera à jamais gravée dans la mémoire collective du rock. Johnny Cash & June Carter Passons à quelque chose de plus doux (et tout aussi légendaire) : Johnny Cash et June Carter. Leur histoire est un peu comme un film romantique... mais en version country. Johnny, en pleine tourmente personnelle, rencontre June, et ensemble, ils forment un duo aussi puissant que leur amour. De Ring of Fire à Jackson, leur complicité musicale est devenue mythique. Leur histoire prouve que l'amour peut apporter la rédemption et transformer des vies. Keith Richards & Patti Hansen Parlons d’un couple rock’n’roll qui a su faire durer la flamme ! Keith Richards, le guitariste légendaire des Rolling Stones, et le mannequin Patti Hansen forment un duo stable (relativement parlant, pour un couple du rock !) depuis les années 80. Leur relation a traversé les années, les excès et les turbulences de la vie de rockstar. Ils ont même prouvé qu’il est possible d’avoir une vie de famille dans l’univers déjanté du rock’n’roll. Keith et Patti, un exemple de longévité et de rock’n’roll love. David Bowie & Iman Le caméléon du rock, David Bowie, a trouvé son amour dans le mannequin Iman. Leur rencontre dans les années 90 a été un véritable conte de fées moderne, entre l’iconique musicien et la sublime supermodel. Ensemble, ils ont formé un couple aussi élégant qu’uni, loin des scandales habituels du rock’n’roll. Leur mariage, qui a duré jusqu’à la mort de Bowie en 2016, est l'exemple parfait de l’amour qui traverse les épreuves. Stevie Nicks & Lindsey Buckingham Ah, Fleetwood Mac... et Stevie et Lindsey! Leur histoire est comme une chanson à elle seule : pleine de passion, de déchirements et de réconciliations. Leur relation, qui a commencé par une histoire d'amour enflammée, s’est ensuite transformée en collaboration musicale légendaire. Des morceaux comme Go Your Own Way et Dreams sont inspirés de leur relation, et même si leur amour n’a pas survécu, leur connexion musicale a perduré. Une belle leçon sur comment l’amour et la musique peuvent être liés, même quand ça devient compliqué. Tommy Lee & Pamela Anderson Enfin, on ne pouvait pas oublier le couple de l'excès, Tommy Lee (le batteur de Mötley Crüe) et Pamela Anderson. Leur mariage express, suivi par un enchaînement de drames et de scandales, a fait d’eux l’un des couples les plus médiatisés des années 90. Mais, au-delà des tabloïds, il y avait une vraie passion... et une tonne de rock’n’roll. Bien que leur relation ait été de courte durée, elle restera dans les annales de l’histoire du rock, tant ils incarnaient l’esprit rebelle de l’époque. L’amour dans le rock n’est jamais simple, mais il est toujours intense, captivant et plein de créativité. Ces couples légendaires ont transformé leurs relations en art, en musique, et même en mythes. Que ce soit à travers des chansons poignantes ou des histoires de vie hors du commun, ces duos ont prouvé que l’amour, dans l'univers du rock, peut être aussi sauvage et passionné que la musique elle-même. Alors, à tous les amoureux du rock, cette Saint-Valentin, pourquoi ne pas écouter quelques-uns de ces couples légendaires et célébrer l'amour sous toutes ses formes ? Rédaction : Coline Lefèvre

La musique accompagne les moments les plus marquants de nos vies, et le mariage ne fait pas exception. Image générée par IA Lorsqu’un couple entre dans l’église ou à la mairie pour sceller son union, une mélodie emblématique résonne souvent : la Marche nuptiale. Mais pourquoi cette tradition et d’où vient cette musique solennelle qui accompagne les mariés depuis des siècles ? Retour sur une histoire royale et musicale. Deux compositions mythiques Il existe principalement deux versions célèbres de la Marche nuptiale, toutes deux composées au XIXe siècle, et qui se sont imposées comme références pour les mariages : ● La Marche nuptiale de Felix Mendelssohn (1842), souvent utilisée pour la sortie des mariés. ● La Marche nuptiale de Richard Wagner (1850), généralement choisie pour l’entrée de la mariée. La Marche nuptiale de Mendelssohn : un air inspiré de Shakespeare En 1842, le compositeur allemand Felix Mendelssohn compose une musique de scène pour accompagner la pièce de théâtre Le Songe d’une nuit d’été de William Shakespeare. Parmi ces morceaux, on retrouve une Marche nuptiale majestueuse, destinée à illustrer une scène de mariage féérique dans la pièce. Mais ce n’est qu’en 1858 que cette musique devient une référence incontournable des mariages. Lors des noces de la princesse Victoria du Royaume-Uni avec le prince Frédéric de Prusse, la Marche nuptiale de Mendelssohn est choisie pour accompagner la sortie des époux. Dès lors, elle entre dans la tradition des mariages royaux, puis civils et religieux, à travers l’Europe et le monde. La Marche nuptiale de Wagner : une mélodie solennelle venue de l’opéra De son côté, Richard Wagner compose en 1850 l’opéra Lohengrin, une œuvre qui raconte l’histoire d’un chevalier du Graal venant épouser une jeune femme, Elsa. Lors de la scène du mariage, on entend un passage grandiose intitulé "Treulich geführt" ("Conduite fidèlement"), qui deviendra la célèbre "Marche nuptiale" de Wagner. Elle aussi connaît la consécration en 1858, lorsque la princesse Victoria l’adopte pour son entrée lors de son mariage royal. Dès lors, l’association entre cette mélodie et l’arrivée de la mariée devient une tradition encore vivace aujourd’hui. Pourquoi ces musiques sont-elles devenues des classiques du mariage ? Ces marches nuptiales ont traversé les siècles et continuent d’être jouées dans de nombreuses cérémonies, en raison de plusieurs facteurs : Une tradition royale : leur adoption par les mariages princiers du XIXe siècle leur a conféré un caractère prestigieux et intemporel. Une ambiance majestueuse : leur solennité et leur intensité musicale apportent une dimension grandiose au mariage. Un symbolisme fort : elles illustrent la célébration, l’union et la solennité de l’engagement. Des alternatives modernes pour l’entrée des mariés Si aujourd’hui certains couples perpétuent la tradition des marches nuptiales classiques, d’autres préfèrent des musiques plus modernes pour personnaliser leur cérémonie. Parmi les chansons populaires utilisées pour l’entrée des mariés, on retrouve des titres variés allant de la pop au rock, en passant par le classique revisité. Des titres incontournables comme A Thousand Years de Christina Perri, Perfect d’Ed Sheeran ou encore All You Need is Love des Beatles. Un jour spécial pour Corentin et Caroline Cet article est rédigé en l’honneur du mariage de Corentin et Caroline. Corentin, président de TST Radio, a toujours été un pilier pour son équipe et un soutien indéfectible pour chacun d’entre nous. Aujourd’hui, c’est son jour, et nous souhaitons à lui et à Caroline tout le bonheur du monde pour cette nouvelle aventure à trois. Toute l’équipe de TST Radio leur adresse ses plus sincères félicitations et ses meilleurs vœux de bonheur !

Bruno Mars et Rosé Avec APT., Bruno Mars et Rosé signent un tube pop accrocheur qui intrigue dès son titre. Derrière ces trois lettres se cache une référence culturelle bien précise, loin d’un simple acronyme marketing. Alors, que veut vraiment dire APT dans cette chanson qui tourne en boucle sur les playlists pop rock ? APT, un mot issu de la culture coréenne Dans APT., le terme ne sort pas de nulle part. Il s’agit de la version abrégée et romanisée du mot coréen 아파트, prononcé apateu, qui signifie tout simplement « appartement ». En Corée du Sud, ce mot fait partie du quotidien, mais il est aussi fortement associé à un jeu très populaire lors des soirées entre amis. Rosé l’a expliqué : APT fait référence à un jeu de boisson souvent pratiqué dans des appartements. Les participants chantent le mot en rythme, empilent leurs mains et désignent un chiffre. Celui qui tombe sur la mauvaise main perd et doit boire. Un jeu simple, bruyant et convivial, symbole parfait de soirées décontractées. Une métaphore pop et universelle Dans la chanson, APT ne décrit pas littéralement un appartement ou un jeu, mais une ambiance. Celle d’une soirée qui s’éternise, d’un flirt qui s’installe et d’un moment partagé sans prise de tête. Le refrain répétitif reprend volontairement la mécanique du jeu : entraînante, presque hypnotique, et impossible à oublier. Ce choix permet aussi à Bruno Mars et Rosé de créer un pont entre les cultures, en intégrant une référence très locale dans un morceau à portée mondiale. Même sans en connaître l’origine, APT fonctionne comme un gimmick pop efficace, renforçant l’identité du titre. APT, dans la chanson de Bruno Mars et Rosé, désigne donc à l’origine le mot coréen pour « appartement », mais surtout un jeu de soirée emblématique. Dans le morceau, cette référence devient un symbole de fun, de proximité et de légèreté. Un détail culturel transformé en refrain viral, qui explique en partie pourquoi APT. s’est imposé comme l’un des titres pop les plus marquants du moment.

Vous avez un peu d'argent de côté et vous souhaitez vous offrir une scène sympa ? On a quelque chose pour vous ! Mais louer la salle de l'Accor Arena (ex- Paris Bercy) vous coutera quelques piécettes Un prix en trompe l'œil Selon une vidéo du Monde parue le 11 septembre 2022, louer l'Accor Arena vous coutera entre 50 000 et 70 000€ par soir. Un prix qu'il faut bien entendu relativiser. En effet, à ce prix, vous n'avez que les murs. Il faudra donc rajouter le salaire de tous les techniciens et tous les agents nécessaire au bon fonctionnement de la structure de Bercy. Il faudra également rajouter le coût de votre propre production ! Comme dit dans la vidéo, les shows ont tendance à être de plus en plus élaborés afin de suivre les attentes du public. Et niveau recette ? Pour calculer les recettes d'un artiste sur une soirée à Bercy, il va falloir sortir la calculette ! Prenons la configuration à 16 000 places pour notre exemple, une configuration adaptée aux concerts, la salle pouvant se transformer en enceinte sportive. Prenons ensuite le coût médian d'un ticket, soit le ticket le plus vendu (les tickets plus chers, compensant les tickets les moins chers), on arrive à 45€. Ensuite, c'est tout simple, 45*16 000 = 700 000€. Voilà ce que rapporte en moyenne une soirée à Bercy. Une somme importante, qui malheureusement ne suffit pas toujours à compenser les pertes. Certains rappeurs y ont même perdu de l'argent... On vous invite à visionner la vidéo du Monde qui a inspiré cet article et dont sont tirés les exemples cités ci-dessus. On s'est aussi penché sur les anecdotes du Stade de France en mode concert.