Si vous êtes un musicien et que vous avez passer les 27 ans, alors vous ne pourrez jamais intégrer ce club, et tant mieux pour vous ! On revient aujourd’hui sur son histoire et surtout sur qui en fait partie. Le Club des 27 regroupe les artistes célèbres du rock et du blues qui sont décédés durant leur 27ème année. Il s'agit d'un club informel. Également appelé Forever 27, ou 27 club, il a fait un retour remarqué dans les médias en 2011 lorsque Amy Winehouse est décédée, à l’âge de 27 ans donc. A l’origine du nom, et surtout de l’idée qu’il existe un âge maudit, on retrouve les décès de Brian Jones, Jimi Hendrix, Janis Joplin et Jim Morrison entre juillet 1969 et juillet 1971. Cette succession de morts célèbres amène à l’idée que la 27ème année serait l’âge idéal pour disparaitre au sommet de sa gloire. Cela sera conforté en 1994 avec le décès de Kurt Cobain. Pourquoi les artistes meurent à 27 ans ? La science, une fois de plus, joue les rabat-joie. Selon une étude menée par des statisticiens australiens en 2011, il n’y aurait pas plus de risques pour un musicien célèbre de mourir à 27 ans. Pour cela, ils ont observé le parcours de 1056 musiciens ayant eu au moins un de leurs album numéro un des ventes au Royaume-Uni entre 1956 et 2007. Une étude menée en 2012 par des britanniques sur 1489 artistes du XXème siècle arrive à la même conclusion, on a pas plus de chance de mourir à 27 ans en étant célèbre. Qui fait partie du Club des 27 ? Le Club des 27 n’étant pas reconnu officiellement, aucune liste n’est définitive et toutes sont soumises à interprétation en fonction du style musical, ou bien de la notoriété de la personne. Cependant un noyau dur semble se distinguer. Le club des 27 est composé de : Robert Johnson (16 août 1938, circonstance inconnue) Brian Jones (3 juillet 1969, noyé dans sa piscine) Jimi Hendrix (18 septembre 1970, asphyxie) Janis Joplin (4 octobre 1970, overdose d'héroïne) Jim Morrison (3 juillet 1971, crise cardiaque) Kurt Cobain (5 avril 1994, suicide par balle) Amy Winehouse (23 juillet 2011, mort accidentelle) 27 ans, c'est aussi l'âge à partir duquel nos goûts musicaux se figent, y-a-t-il un lien ? Si vous voulez en savoir plus, on vous conseille la lecture du livre de Pierre Mikaïloff, "Le Club des 27" Rassurez-vous, on a écrit d'autres articles-anecdotes plus réjouissants !

Nous les publions régulièrement sur notre page Facebook, et nous savons à quel point vous êtres friands de ces rébus musicaux ! Le principe est simple, chaque image représente un mot ou une syllabe, et le tout forme des titres ou des paroles de chanson ! 1 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10. 11. 12. 13. Les solutions des rébus Voici les réponses : 1. Babacar / France Gall 2. Il Descend de la Montagne à Cheval 3. Ta Sensualité / Axelle Red 4. la Mère Michel 5. L'Amour à la Plage / Niagara 6. Chacun fait ce qu'il lui plait 7. We Will Rock You / Queen 8. Salsa du Démon 9. Capitaine Flam 10. Gigi Lamoroso / Dalida 11. Ludwig Van Beethoven 12. Empire Theme / John Williams 13. Aicha / Khaled Si vous aimez jouer avec la langue française, on vous propose la lecture d'Anthologie des bourdes et autres curiosites de la chanson française d'Alister. Une pépite de toutes les erreurs commises dans les paroles des chansons françaises ! Si vous êtes insatiable de rébus, retrouvez tous nos articles en lien avec ce sujet ! A moins que vous ne souhaitiez trouver les 10 autres rébus musicaux !

Imaginez un monde dans lequel choisir son instrument de musique dépendrait… de la façon dont on s’assoit ! C’est pourtant un peu ce qui s’est passé avec le violoncelle. Pendant longtemps, sa position de jeu a été jugée peu convenable pour les femmes. Oui, vous avez bien lu : un instrument de musique pouvait poser un problème de bienséance simplement parce qu’il fallait le tenir entre les jambes ! Un instrument victime des bonnes manières Le violoncelle se joue assis, coincé entre les genoux, avec une pique qui repose au sol. Une position pratique pour jouer, mais qui a longtemps fait grincer quelques dents dans les sociétés très attachées aux bonnes manières. Aux XVIIIe et XIXe siècles, les femmes devaient respecter des règles strictes de maintien et de pudeur. Écarter les jambes en public était considéré comme inconvenant. Résultat : le violoncelle, pourtant parfaitement inoffensif, se retrouvait dans une situation délicate. Ce n’était pas une interdiction universelle inscrite dans la loi, mais plutôt un mélange de préjugés et de conventions sociales qui pouvait décourager les musiciennes. Comme si apprendre le solfège ne suffisait pas, il fallait donc aussi se demander si la position assise allait froisser les bonnes mœurs ! Jouer du violoncelle… en amazone ! Pour contourner le problème, certaines musiciennes adoptaient une posture dite « en amazone », avec les jambes tournées du même côté de l’instrument. Une position qui permettait de respecter les conventions vestimentaires et sociales de l’époque, mais qui n’était pas forcément idéale pour jouer avec aisance. Imaginez la scène : au lieu de se concentrer uniquement sur la justesse, l’archet et les partitions, il fallait aussi veiller à ne pas scandaliser le public avec ses genoux. Pas franchement la meilleure façon de se détendre avant un concert ! Heureusement, les techniques de jeu et les habitudes ont évolué. La pique, qui stabilise le violoncelle au sol, s’est progressivement généralisée au XIXe siècle, facilitant son maintien. Peu à peu, la posture traditionnelle s’est imposée, et les préjugés ont perdu du terrain. Et voici Lise Cristiani Certaines musiciennes n’ont pas attendu que tout le monde soit d’accord pour monter sur scène. C’est notamment le cas de Lise Cristiani, violoncelliste française née en 1827, considérée comme l’une des premières femmes à avoir mené une carrière publique avec cet instrument. À une époque où le violoncelle était encore jugé peu adapté aux femmes, elle a poursuivi sa carrière et voyagé jusqu’en Sibérie. Une belle manière de rappeler que les frontières imposées par les conventions sociales ne sont pas toujours celles que les artistes acceptent. Autre figure marquante : Guilhermina Suggia, violoncelliste portugaise née en 1885. Grâce à sa virtuosité et à sa carrière internationale, elle a contribué à faire évoluer le regard porté sur les femmes instrumentistes. En somme, elles ont fait ce que les artistes savent faire de mieux : laisser parler leur talent plutôt que les préjugés. Et aujourd’hui, les femmes ont-elles pris leur revanche ? Bonne nouvelle : personne ne va aujourd’hui vérifier la position de vos genoux avant de vous laisser entrer au conservatoire ! Les femmes jouent du violoncelle dans les orchestres, en solo et dans des styles très variés, du classique aux musiques actuelles. Elles composent, enregistrent, tournent et repoussent les limites de l’instrument. Pour autant, l’égalité n’est pas automatiquement acquise. Une étude publiée en 2019, portant sur 40 orchestres de premier plan au Royaume-Uni, en Europe et aux États-Unis, a recensé 350 violoncellistes, dont environ 42 % de femmes et 58 % d’hommes. Ce résultat concerne uniquement les orchestres étudiés, et ne représente pas toute la pratique du violoncelle aujourd’hui. Il rappelle néanmoins que la représentation des femmes peut encore varier selon les milieux musicaux. Et les violoncellistes ne se limitent plus aux salles de concert classiques : on les retrouve aussi dans la pop, le rock, les musiques de films et les expérimentations électroniques. Le violoncelle peut être mélancolique, puissant, romantique ou franchement déchaîné. Bref, il a plus d’un archet dans son sac ! Finalement, le problème n’était pas le violoncelle Pendant longtemps, les femmes ont dû composer avec des règles sociales qui n’avaient pas grand-chose à voir avec leurs capacités musicales. Heureusement, les mentalités ont changé. Aujourd’hui, ce qui compte, c’est la musique, pas la position des jambes. Et si quelqu’un trouve encore le violoncelle inconvenant, on lui conseille simplement d’écouter un morceau avant de juger !

Les musiques que nous écoutons de nos jours sont standardisées autour de la fréquence de 440 Hertz. Avant qu'elle ne devienne la norme , les musiques étaient basées sur de nombreuses autres fréquences, dont certaines comme la 432 Hz étaient supposées avoir certains pouvoirs, amenant son lot de théorie complotiste. La musique est standardisée sur du 440 Hertz depuis qu'en 1939 la Fédération Internationale des Associations Nationales de Standardisation décida d'un diapason étalon sur cette fréquence. En janvier 1975 elle devient la norme ISO 16:1975, ce qui en fait la norme utilisée dans tous les conservatoires de musique. Les théories complotistes Le 440 Hertz étant le standard utilisé par les Allemands, et donc le régime nazi, le terreau pour les théories complotistes et donc très fertile. L'utilisation de cette norme aurait permis aux nazis d'imposer leur vision de la musique au monde entier. Avant d'être adopté, le 440 Hertz a été en concurrence avec le 432, une fréquence que les Français et les Italiens ont défendu pour devenir la norme internationale. le compositeur Verdi était particulièrement attaché à cette norme, et par 20 même à le décréter comme norme italienne. Encore une fois selon certaines théories conspirationnistes, le 432 Hertz serait selon le site esprit science métaphysique.com «le réglage qui fait vibrer la raison dorée de l’univers PHI et unifie les propriétés de la lumière, du temps, de l’espace, de la matière, de la gravité et du magnétisme avec biologie, du code de l’ADN et de la conscience. Quand nos atomes et ADN commencent à résonner en harmonie avec le schéma en spirale de la nature, notre sens de connexion à la nature est dit être "agrandi". Le nombre 432 est également reflété dans les rapports du Soleil, de la Terre, de la Lune, de la précession des équinoxes, de la Grande Pyramide d’Égypte, Stonehenge, le Sri Yantra et beaucoup d’autres sites sacrés». Les autres fréquences selon les âges Au XVIe siècle, on utilise le 466 Hertz. Pour le baroque vénitien avec le compositeur Vivaldi c’est le 440 Hertz qui était utilisé. Pour le baroque allemand avec Jean-Sébastien Bach par exemple, c’est du 415 Hz. Les français eux préféraient le 392 Hertz avec Couperin, Marais ou Charpentier. Avec la démocratisation de la musique et sa mondialisation, il était devenu indispensable de standardiser la norme afin de gagner du temps sur les différents accordéments. Cela permet également à l'industrie des instruments de musique d'avoir un cahier des charges identiques pour les différents pays. Si vous souhaitez en savoir plus sur le sujet nous vous conseillons la lecture de "Le son des vibrations influence des sons et de la musique sur la santé et le développement personnel" d'Emmanuel Comte

Qui n'a jamais chanté « Ah les crocrocro, les crocrocro, les crocodiles » durant son enfance ? Présente dans les écoles, les centres de loisirs et les foyers français depuis des générations, cette célèbre comptine semble faire partie du patrimoine populaire depuis toujours. Pourtant, derrière ses paroles amusantes se cache une histoire bien plus riche qu'il n'y paraît. Entre opéra-bouffe du XIXe siècle, crocodiles du Nil, hypothèses liées à Napoléon et reprise inattendue par Julien Doré, voici cinq anecdotes étonnantes sur « Ah les crocodiles ». Qui a composé les Crocodiles ? Contrairement à une idée reçue, « Ah les crocodiles » n'est pas une simple chanson populaire dont l'origine s'est perdue dans le temps. Ses racines remontent à 1856, soit il y a près de 170 ans. La comptine est inspirée du « Hourra du crocodile », un morceau composé par le célèbre compositeur français Jacques Offenbach pour son œuvre « Tromb-al-ca-zar ou les Criminels dramatiques ». Dans cette version originale, le crocodile part déjà à la guerre et le refrain contient plusieurs éléments que l'on retrouve encore aujourd'hui. Peu à peu, la chanson quitte les théâtres pour entrer dans le répertoire populaire avant de devenir l'une des comptines les plus connues de France. Une destinée étonnante pour un morceau issu de l'opéra-bouffe. Le crocodile combat des éléphants sur les rives du Nil Les paroles racontent l'histoire d'un crocodile qui quitte ses enfants pour partir combattre des éléphants sur les bords du Nil. Cette référence à l'Égypte n'est pas anodine. Le Nil est le plus long fleuve d'Afrique avec environ 6 650 kilomètres et les crocodiles du Nil comptent parmi les plus grands reptiles du monde. Certains spécimens peuvent dépasser 5 mètres de longueur et peser plus de 500 kilos. Pour une comptine destinée aux enfants, le scénario est finalement assez épique : un départ à la guerre, un duel entre géants et une fuite stratégique dans une rivière ! Certains historiens y voient une référence à la campagne d'Égypte de Napoléon L'une des théories les plus fascinantes autour de « Ah les crocodiles » concerne un possible lien avec la campagne d'Égypte menée par Napoléon Bonaparte entre 1798 et 1801. Aucune preuve formelle ne permet de l'affirmer, mais plusieurs spécialistes du folklore ont relevé que la chanson évoque l'Égypte, le Nil et une expédition militaire. Ces éléments rappellent l'imaginaire collectif associé à la célèbre campagne napoléonienne. D'autres chercheurs estiment toutefois qu'il s'agit simplement d'un décor exotique très à la mode au XIXe siècle. Après les découvertes archéologiques et l'engouement européen pour l'Égypte antique, les crocodiles, pyramides et paysages du Nil étaient devenus des thèmes populaires dans la littérature et les spectacles. Le mystère demeure donc entier près de deux siècles plus tard. Julien Doré a offert une seconde vie à la comptine en 2024 En octobre 2024, la chanson connaît un retour inattendu grâce à Julien Doré. Le chanteur choisit en effet d'inclure « Ah les crocodiles » dans son album « Imposteur », un projet composé de reprises décalées et surprenantes. Pour accompagner la sortie du morceau, il dévoile un clip humoristique dans lequel il joue avec l'univers absurde de la comptine. Cette reprise a permis à toute une nouvelle génération de redécouvrir cette chanson vieille de près de 170 ans. Peu de comptines françaises peuvent se vanter d'avoir traversé autant d'époques tout en restant présentes dans la culture populaire. C'est probablement l'une des comptines françaises les plus connues Depuis plus d'un siècle et demi, « Ah les crocodiles » continue d'être chantée dans les écoles, les crèches et les familles. Son secret ? Une mélodie simple, un refrain extrêmement mémorisable et des paroles pleines d'images amusantes. Comme « Frère Jacques » ou « Au clair de la lune », elle fait partie de ces chansons que les Français connaissent souvent avant même d'apprendre à lire. La preuve de sa popularité : en près de 170 ans d'existence, elle a été reprise par de nombreux artistes, enregistrée sur des centaines de compilations pour enfants et continue aujourd'hui d'être diffusée sur les plateformes de streaming. Vous aimez découvrir l'histoire cachée des chansons cultes ? Retrouvez d'autres anecdotes musicales et histoires insolites sur TST Radio. Et pour écouter chaque jour des nouveautés et des artistes à découvrir, restez à l'écoute de TST Radio. Sources : Jacques Offenbach, « Tromb-al-ca-zar ou les Criminels dramatiques » (1856) Bibliothèque nationale de France (BnF) Historiques de la chanson folklorique française Recherches sur la comptine « Ah les crocodiles » Album « Imposteur » de Julien Doré et couverture médiatique de sa reprise

Musique phare des années 1980 qui continue d’être chantée en karaoké ou dans certains mariages. Vous vous êtes peut-être déjà demandé qui jouait du piano debout. Un droit à la différence En 1980 Michel Berger écrit « Il jouait du piano debout » pour être interprété par France Gall se trouve dans l’album « Paris, France ». Le 45 tours s’est vendu à plus de 800 000 exemplaires et elle est l’une des musiques les plus connues de France Gall et du duo Berger/Gall. C’est en regardant à la télévision un concert live de Jerry Lee Lewis pionnier du rock et surnommé « The Killer », que Michel Berger et France Gall ont eu l’idée d’écrire une chanson. Jerry Lee Lewis est né en 1935 et nous a quitté en 2022. Chanteur et pianiste américain majeur du rock. Il reçoit en 2005 un Grammy du couronnement d’une carrière. Sa personnalité provocatrice sur scène l’amène à brûler son piano à la fin d’un concert. Ses titres les plus connus sont Great Balls of Fire, Whole Lotta Shakin’ Goin’ On ou encore Breathless. Jerry Lee Lewis fait le show lors de ses concerts, en interprétant ses musiques avec force et mouvements. Il frappait notamment le clavier avec ses poings ou ses talons. C’est en le voyant faire lors de ce live que France Gall et Michel Berger ont l’idée d'écrire cette chanson. Le droit à la différence voilà le sujet de la musique Il jouait du piano debout. Dès le premier couplet, ce droit à la différence se vois « Et pour quelle raison étrange / Les gens qui n’sont pas comme nous ça nous dérange ». C’est aussi un droit à la tolérance, et à la liberté. La chanson fait penser aux pensées d’Aragon sur la résistance debout et ne pas se coucher devant amène aussi l’idée amené par Aragon d’une liberté qui serait de vivre debout plutôt que mourir à genoux. « Quand les trouillards sont à genoux/ Et les soldats au garde à vous / Simplement, sur ses deux pieds / Il voulait être lui, vous comprenez »

Vous avez toujours rêver de jouer dans de grosses salles de concert ? Nous aussi ! Mais du coup, on s'est demandé quelle était la salle de spectacle la plus grande du monde qui pourraient accueillir notre concert d'anthologie. Du coup, voici notre classement ! C'est quoi une salle de concert ? C'est la question que nous nous sommes posé lorsque nous avons cherché à savoir quelle était la plus grande salle de concert au monde. En effet, peut-on considérer qu'un stade est une salle de spectacle ? Est-ce que les emplcaments en extérieur entre en ligne de compte ? Autant de questions qui nous ont amené aux choix suivants : Nous avons retiré les stades qui sont pour nous avant tout des enceintes sportives, même s'ils ont été conçu pour accueillir des concerts. Nous avons également exclu les espaces extérieurs non couverts, qui pour nous ne s'apparente pas à notre idée de la salle parfaite. Le classement des plus grandes Voici le classement des salles de concerts les plus grandes du monde : Philippine Arena : 55000 places / Philippinnes Paris la Défense Arena : 40000 places / France Saitama Super Arena : 37000 places / Japon SC Olimpiyskiy : 35000 places / Russie Gwangmyeong Velodrome : 30000 places / Corée du Sud Telenor Arena : 26000 places / Norvège Baku Crystal Hall : 25000 places / Azerbaidjan Mineirinho : 24482 places / Brésil AccorHotels Arena : 20300 places / France O2 Arena : 20000 places / Royaume-Uni Halle Tony Garnier : 17000 places / France Nippon Budokan : 14471 places / Japon Smart Araneta Coliseum : 10000 places / Philippines Et cocorico ! La plus grande salle de spectacle et de concert d'Europe est la Paris Défense Arena avec 40 000 places en mode concert. La plus grande salle du monde est la philippine Arena avec 55 000 places. Des chiffres qui donnent le tournis, d'autant plus lorsque des artistes parviennent à remplir ces lieux de concerts !

De nombreux artistes sont morts sur scène en jouant, comme par exemple Molière qui reste le plus connu. Mais qu'en est-il des musiciens ? Après quelques recherches, voici la liste des 55 musiciens morts sur scène à ce jour. Disclaimer Pour apparaitre dans ce classement, nous avons sélectionné les artistes qui sont soit décédés sur scène, soit peu de temps après du fait de blessure ou d'accident survenus lors de la représentation. Sont donc exclus tous les artistes morts peu de temps après, d'une cause non liée à leur concert. Voici la liste des artistes morts sur scène : Papa Dee Allen Lil Hardin Armstrong Simon Barere Auguste van Biene Big Pokey Earl Bostic Brainbug Anthony Burger Armand Castelmary Juliano Cezar Spade Cooley Dimebag Darrell Skinny Dennis Pedro Depestre Judge Dread Nelson Eddy Bruce Hampton Leslie Harvey Sib Hashian Joseph E. Howard Mindru Katz Kuo Chin-fa Jane Little (musician) Ty Longley Talal Maddah Miriam Makeba Mango (singer) Warne Marsh Ricky May Alejandro Meerapfel Nick Menza Mikaben Country Dick Montana Laudir de Oliveira David Olney Marg Osburne Václav Pichl Jack Pleasants Ede Reményi Joana Sainz García Mark Sandman Americo Sbigoli Mike Scaccia Sylvia Syms (singer) Tiny Tim (musician) Costa Titch Hermann Uhde Miguelito Valdés Richard Versalle Leonard Warren Johnny "Guitar" Watson Barbara Weldens Papa Wemba Philippé Wynne La plupart des décès des musiciens sur scène sont dû à une crise cardiaque qui survient pendant le concert, ce qui reste le plus imprévisible. Dans plusieurs cas, Judge Dread par exemple, le public a cru que cela faisait partie du spectacle. Pour Richard Versaille, le directeur du théâtre a même était obligé de déclencher l'alarme incendie pour faire partir le public qui refusait de croire au décès de l'acteur qui venait de chanter ces paroles "Vous ne pouvez vivre que si longtemps"... Une des morts sur scène les plus tragiques reste celle de Ty Longley. Alors qu'il jouait avec son groupe Great White dans la discothèque The Station, un incendie se déclara à cause des effets pyrotechniques. Le drame fera une centaine de morts, dont Ty Longley qui sauva 3 personnes en brisant les vitres avec sa guitare.

Imaginons que l'on vous donne 10 000 000€ pour faire la programmation d'un festival. Combien d'artistes allez-vous avoir en fonction de leur cachet ? Voici les montants des cachets des têtes d'affiches des festivals nationaux et internationaux. Nous avons ici classé les artistes par cachet demandé pour un festival : Guns and Roses : 3 000 000€ Metallica : 3 000 000€ (2023) Billie Eillish : 2 000 000€ (2023) Red Hot Chili Pepper : 2 000 000€ (2023) Iron Maiden : 2 000 000€ (2023) Bruce Springsteen : 1 000 000€ (2009) Madonna : 1 000 000€ Taylor Swift : 1 000 000€ Bon Jovi : 1 000 000€ Justin Bieber : 1 000 000€ Justin Timberlake : 1 000 000€ Radiohead : 500 000€ Muse : 500 000€ Foo Fighters : 500 000€ Insus : 300 000€ Elton John : 270 000€ Angèle : 250 000€ Björk : 250 000€ Michel Polnareff : 250 000€ Louane : 100 000€ Frérot Delavega : 100 000€ Kendji Girac : 100 000€ Orelsan : 100 000€ Bien évidemment, ces cachets sont donnés à titre indicatif. Divers éléments comme l'attachement des musiciens à un lieu, à une personne ou à festival en particulier font fluctuer ces tarifs. Les prestations dans des cadres privés n'ont pas non plus été prises en compte. Une croissance rapide des cachets dans les festivals Les cachets des artistes ont fortement augmenté ces dernières années, notamment en raison de la baisse des ventes d'albums. Les groupes doivent compenser cette perte financière en augmentant leur tarif afin de maintenir un équilibre. C'est la raison pour laquelle vous trouverez les dates à côté des chiffres que nous annonçons. Cet engrenage est en défaveur des organisateurs qui doivent dégager des fonds encore plus importants afin d'assurer une qualité de programmation. Car c'est bien la programmation qui fait remplir les festivals, et donc qui génère des revenus. Les moyens pour s'assurer des rentrées d'argent ne sont malheureusement pas nombreux, et ce sont souvent les spectateurs qui paient la facture sur le prix du billet. Le contexte sanitaire lié au COVID-19 va également pousser les artistes à revoir leur cachets à la baisse, les trésoreries des festivals ayant été mise à mal en 2020 suite aux annulations à répétitions. Source : https://www.lalibre.be/culture/musique/festivals-des-tetes-d-affiches-mais-a-quel-prix-595648d2cd706e263e8a9415 https://france3-regions.francetvinfo.fr/pays-de-la-loire/si-covid-19-etait-antivirus-cachets-trop-eleves-artistes-festivals-musique-1834916.html https://www.voltage.fr/news/angele-les-montants-de-ses-cachets-empoches-en-festival-devoiles-50576 https://jack.canalplus.com/articles/actualites/festivals-pourquoi-les-cachets-des-stars-s-envolent

La France a la chance de posséder un réservoir de talent sans fond, et notamment les chanteuses françaises actuelles et d'autrefois. Nous avons donc brainstormé avec notre équipes pour vous proposer ce classement des artistes françaises les plus influentes de leurs époques. Nous avons construit ce classement des chanteuses francaises (qui n'engage que nous) en fonction de plusieurs critères : leur popularité leur influence sur la musique leur réputation internationale leurs engagements A noter que nous avons ajouté les artistes francophones, qui sont souvent considérées comme des artistes françaises à part entière. Et si vous voulez en savoir plus, on vous conseille la lecture de "100 % bio : les grandes chanteuses et musiciennes vues par un ado" de Sophie Adriansen (Auteur), Nicola Gobbi (Illustrateur) Après de très longs débats, nous sommes heureux de vous présenter notre top 50 des chanteuses françaises les plus influentes : Édith Piaf Clairement, la Môme est celle qui remplissait tous nos critères à la perfection ! Elle fut le mentor de nombreux chanteurs, fut une femme forte et possède aujourd'hui encore une renommée internationale. France Gall Vanessa Paradis Mylène Farmer Zaz Zaz est une chanteuse française très connue dans les pays de l'est où elle a notamment réalisée un duo avec le chanteur de rammstein, oui oui, rien que ça ! Patricia Kaas Comme Zaz, Patricia Kaas est très connue dans les pays de l'Est. C'est également une des plus belle voix du monde. Zazie Zazie coche pas mal de nos critères, puisqu'en dehors de sa carrière d'interprête, elle écrit beaucoup pour d'autres, tout en veillant à ses engagements caritatifs. Juliette Gréco Catherine Ringer (Rita Mitsouko) Jane Birkin Véronique Sanson Sylvie Vartan Clara Luciani Christine and the Queens Ou Redcar, on sait plus... Il en reste un vrai pur talent de composition. Yelle Si en France elle est surtout connue pour sa collaboration avec Fatal Bazooka, elle cartonne à l'étranger avec sa musique. Angèle La belge est assurément une des chanteuses actuelles les plus en vogue. Elle milite régulièrement pour la place de la femme dans la société. Barbara Certainement l'artiste dont on peut le moins quantifier le nombre de personne qu'elle a influencé... Lorie Nous étions obligé de rajouter Lorie dans ce top tant elle a marqué une génération d'enfant. Produits dérivés, film, un vrai phénomène des années 2000. La Grande Sophie Hoshi Fréquemment harcelée sur les réseaux, cette chanteuse possède pourtant un talent fou. Aya Nakamura Véritable phénomène en France mais également à l'étranger, la chanteuse ne fait qu'enchainer les records. Alizée Jain Nolwenn Leroy Louane Charlotte Gainsbourg Camélia Jordana Joyce Jonathan Brigitte Camille Izia Lou Doillon Amel Bent Shy'm Élodie Frégé Imany Olivia Ruiz Coeur de pirate Zaho Yseult Pomme Vitaa Suzane Cléa Vincent Pomme Jenifer Carla Bruni Soko Elsa Lunghini Yous and the Yakuza On espère que ce classement vous a plu ! En tout cas nous avons pris grand plaisir à le réaliser, permettant ainsi de redécouvrir quelques chanteuses françaises. Si vous souhaitez approfondir le sujet, on vous conseille la lecture de "Chanteuses : la Chanson Française au Féminin" de Thomas Pawlowski Et bien sûr, nos articles anecdotes pour passer le temps !

La Mission Locale Agglomération Rouennaise change de nom. Après validation par son assemblée générale présidée par Yves Soret, la structure s'appelle désormais Mission Locale Rouen Normandie. Une évolution qui vise à mieux refléter son territoire d'intervention et à renforcer son identification auprès des jeunes, des partenaires et des entreprises. Une identité plus en phase avec le territoire Ce changement intervient dans un contexte où les évolutions institutionnelles ont profondément transformé l'organisation du territoire. Créée bien avant la naissance de la Métropole Rouen Normandie, la Mission Locale avait conservé une appellation faisant référence à l'ancienne agglomération rouennaise. Avec ce nouveau nom, l'association souhaite afficher plus clairement son ancrage sur l'ensemble du territoire qu'elle couvre aujourd'hui, comprenant la Métropole Rouen Normandie ainsi que la Communauté de communes Inter Caux Vexin. Cette nouvelle identité permet également de gagner en lisibilité auprès des publics accompagnés et des nombreux partenaires de la structure. Une mission qui reste la même Si le nom évolue, les missions de la structure restent inchangées. La Mission Locale Rouen Normandie continue d'accompagner les jeunes de 16 à 25 ans dans leurs parcours vers l'autonomie. Ses équipes interviennent dans de nombreux domaines : Orientation Emploi Formation Alternance Mobilité Logement Santé Accès aux droits Accompagnement des projets professionnels Grâce à ses 17 antennes, la structure poursuit son engagement de proximité auprès des jeunes du territoire. Plus de 18 000 jeunes en contact en 2025 L'année 2025 illustre l'importance du travail réalisé par la Mission Locale sur le territoire : 18 000 jeunes en contact 8 300 jeunes accompagnés 10 379 entrées en emploi, alternance ou immersion Des chiffres qui témoignent du rôle majeur joué par l'association dans l'insertion sociale et professionnelle des jeunes de l'agglomération rouennaise et de ses environs. De nouvelles adresses e-mail Cette évolution s'accompagne également d'un changement des coordonnées électroniques. Les adresses de la structure utilisent désormais le domaine@mlrouen.fr. Les partenaires sont invités à mettre à jour leurs répertoires afin d'assurer la continuité des échanges avec les équipes de la Mission Locale. Avec cette nouvelle identité, la Mission Locale Rouen Normandie entend poursuivre son action au plus près des jeunes, tout en affirmant davantage son ancrage sur le territoire normand.

Dans le paysage musical normand, certains projets refusent les étiquettes toutes faites. C'est le cas de Bruit Blanc, le projet porté par Camille, musicienne, chanteuse et flûtiste traversière, qui construit depuis plusieurs années un univers singulier à la croisée de la pop, de l'électro, du jazz et du rock. À l'occasion de la sortie récente de son single Au Crépuscule, l'artiste est revenue sur la construction de cet univers qu'elle définit désormais comme de la "pop galactique option flûte traversière". Une pop qui refuse les frontières Décrire Bruit Blanc n'est pas un exercice simple, et c'est peut-être ce qui fait sa richesse. Nourrie par des influences extrêmement variées, Camille revendique une approche instinctive de la création. Le projet est né avant tout comme un besoin d'expression artistique, sans volonté de rentrer dans une case précise. Les références jazz, électro, rock et pop se croisent ainsi naturellement dans ses compositions, donnant naissance à une musique à la fois accessible et surprenante. L'artiste assume aujourd'hui pleinement ce côté "galactique", à la fois pour son univers sonore et pour cette voix cristalline que le public lui décrit souvent comme une "voix de Disney". Une identité qu'elle a longtemps cherché à contourner avant de finalement en faire une force. La flûte traversière comme signature Impossible d'évoquer Bruit Blanc sans parler de la flûte traversière. Formée au conservatoire, Camille considère cet instrument comme son premier moyen d'expression musicale. Bien plus qu'un simple ajout dans les arrangements, la flûte est au cœur de son identité artistique. Dans les morceaux de Bruit Blanc, elle devient un véritable prolongement de la voix, apportant une couleur immédiatement reconnaissable à des compositions déjà très personnelles. Si l'instrument est souvent associé à la musique classique, Camille aime le sortir de son cadre habituel pour l'intégrer à des sonorités plus modernes et donner à sa pop une dimension unique. Une nouvelle direction artistique Depuis près de deux ans, Bruit Blanc a amorcé une nouvelle étape. Après une première formule pensée principalement pour la scène et le travail collectif avec plusieurs musiciens, Camille a choisi d'emmener le projet vers des productions plus ambitieuses en studio. L'objectif : développer pleinement l'univers sonore qu'elle avait imaginé tout en conservant, sur scène, une approche plus organique, inspirée par ses racines jazz et rock. Cette dualité entre productions travaillées et énergie du live constitue aujourd'hui l'une des forces du projet. "Au Crépuscule", un nouveau chapitre Sorti récemment, Au Crépuscule marque une nouvelle avancée dans l'exploration musicale de Bruit Blanc. Pour ce titre, Camille a notamment collaboré avec Kylian Linan, également connu sous le nom d'Oxymor, afin d'apporter une dimension plus électronique à sa musique. Une orientation qui a surpris certains auditeurs, mais qui s'inscrit parfaitement dans la philosophie du projet : explorer sans cesse de nouveaux territoires musicaux. Les premiers retours sont d'ailleurs très encourageants. Le public souligne particulièrement l'intensité émotionnelle du morceau, la qualité de l'écriture et la richesse de sa production. Une artiste qui soigne aussi son image Au-delà de la musique, Camille accorde une grande importance à l'aspect visuel de Bruit Blanc. Travaillant également dans le domaine de la vidéo, elle considère l'image comme un prolongement naturel de son travail artistique. Les vidéos, clips et contenus diffusés sur les réseaux sociaux participent ainsi pleinement à la construction de cet univers galactique qu'elle défend depuis plusieurs années. Pour accompagner la sortie d'Au Crépuscule, elle s'est notamment entourée du réalisateur Jérémy Florey afin de produire une série d'images destinées à faire découvrir son projet à un public toujours plus large. Pourquoi "Bruit Blanc" ? Le nom du projet possède lui aussi une signification particulière. En référence au bruit blanc utilisé notamment pour favoriser l'endormissement, Camille y voit un contraste intéressant : quelque chose d'apaisant en apparence, mais qui contient en réalité une infinité de fréquences. Une image qui correspond finalement très bien à son univers musical, où se côtoient douceur, énergie, poésie et expérimentations sonores. La suite pour Bruit Blanc Après Au Crépuscule, Camille souhaite continuer à dévoiler progressivement de nouveaux titres pour affirmer encore davantage son identité musicale. L'idée d'un EP est bien présente, même si l'artiste préfère aujourd'hui avancer pas à pas pour construire durablement cet univers qu'elle peaufine depuis plusieurs années. Une chose est sûre : avec sa pop galactique portée par la flûte traversière, Bruit Blanc continue de tracer une trajectoire singulière sur la scène indépendante normande.